Jørgen Vestergaard: Filmliv

Jørgen Vestergaard er enestående i dansk filmkunst. Lige siden han instruerede sin første film i 1963 er han gået sine egne veje som instruktør af dukkefilm, dokumentarfilm og spillefilm. Og hans egne veje førte ham tidligt tilbage til Thisted, hvor hans værksted, atelier, hans familie, rækker af filmfolk i kortere tid og han selv gennem år husedes i en landejendom nær byen.

Fascineret og videnlysten besøgte Jørgen Vestergaard tidligt i sit filmliv sammen med sin hustru de tjekkiske dukkefilminstruktører Jirí Trnka og Karel Zeman og fascineret af mestrenes stop motion metode og hjemme igen begyndte de to at lave dukkefilm, vist nok på den tid som de eneste i Danmark.

Det her fortæller forlaget Knakken i Thisted bag på bindet på sin fornemme udgivelse af en bog på 320 sider som Jørgen Vestergaard har skrevet om produktionerne af sine 60 film til nu. Og der fortælles videre at han selv, hjemme i filmværkstedet med hustruens hjælp med tilskæring og syning af de små kostymer, forstår jeg i min senere læsning, herefter lavede dukkefilm om en række fortællinger af Andersen, Poe og Lorca.

Vadym Jendreyko: The Woman with the 5 Elephants

It’s from start till end beautiful. It is seldom that form and content go so well together. Because the director succeeds to catch the charisma of Swetlana Geier, the translator of Dostoyevsky (and many other big Russian authors) from Russian into German. Her life story, born in Ukraine 1923, living in Freiburg in Germany from the mid 40’es until her death in 2010. Her travel to Ukraine with her granddaughter. And first of all her approach to translation and the works of Dostoyevsky. To language, read this quote from the film:

"My teacher always said: ‘Nose up in the air when you translate.’ That is to say, one doesn’t translate from left to right, following the text, but only after one has made the sentence one’s own. It first has to be internalised, taken to heart. I read a book so often that my eyes ’gouge holes’ in pages. I basically know it by heart. Then the day comes when I suddenly hear the melody of the text."

The scenes on the first floor of the house, she lives in, are magnificent. She sits with Hannelore Hagen on each side of the table at a window that opens to a view of a tree outside. Hannelore Hagen types what Swetlana Geier dictates. And later comes in – to sit in the chair of Geier - Jürgen Klodt, who knows about language, the musicality of German language. He comes up with suggestions for change to the old lady on the other side of the table, who uses her pencil to make marks in the manuscript that Hannelore Hagen has typed. It’s wonderful. Old-fashioned. Conversations. "You could also use conjunctive!". It has a calmness of poetic dimensions. The director pays respect to the profession – and her life. We get to know the tragic death of her son, and she speaks so touching about how she was there at his coffin. Her face, her eyes, her way of conveying fascination, you can imagine how good a teacher she must have been. Strength. Wisdom.

No more from me, the film is a must, and it is easy to get hold of it. Click the website (with excellent articles) below to see how to get hold of it.

https://5elefanten.ch/en/

Germany/Switzerland, 2009, 92 mins.

Nicolas Philibert

Filmkommentaren has written much about Nicolas Philibert, French master of documentaries. (http://www.filmkommentaren.dk/blog/blogpost/1931/)

I missed his new film at IDFA, but I will catch up asap with a review. In the meantime I have enjoyed reading an interview with the director that came out today in Variety, link below. He talks about documentaries en general, cinema-documentaries and tv-documentaries in connection with his new film, “Each and Every Moment”. The headline of the interview, made by Ben Croll, is „A Director Driven to make a statement can not make Cinema“.

Here is a quote from the interview:

Do you feel like your filmmaking approach has changed over the years?

I’d like to say yes and no. Yes, because each film required a new approach and a method tailored to the world I was exploring. No, because my methods still have a few invariables. I try not to prepare or research much before I start shooting. I need to save my appetite and curiosity for the actual shoot. If I knew too much going in, I wouldn’t want to make the film. Shooting is a process of learning and discovery, of confronting an unknown world. And so I don’t make films from a perch of knowledge, but rather one of ignorance. I don’t try to tell my audience how to think or how to feel, because I don’t know much more than they do. And that’s never changed…

Variety, link

Katarzyna Lesisz: Dancing for You

Get up Wiktor, says grandmother, you have to go to school. Wiktor, 12 years old, goes to a ballet school, where the teacher trains him, and when not in school he plays with a friend, or is with the caring grandma or with a cell phone in hand talking to his father or trying to, cause father is not around. It’s a simple story that finds its filmic tone. A boy waiting, yearning for his father, having a good time at his grandparents. Dancing, expressing himself.

The film received the IDFA Award for Best Children’s Documentary, the jury said this: “The winning film is a beautifully crafted story, leaving the viewer with lots of room for thought and reflection, without explaining too much. One is able to recognize the loneliness of feeling like an outsider in their own family, while striving to pursue their dreams. We applaud individuality; children who stay true to themselves against all odds. We also want to celebrate documentary filmmakers that push themselves to excel in cinematography, and the winning film does just that.”

Poland, 2018, 18 mins.

Finn Larsen og Lars Johansson: Ungdomsbilleder

Jeg har lige set den fine nye kopi af den 35 år gamle Ungdomsbilleder, som nu bliver præsenteret på museet i Randers som en del af Finn Larsens og Lars Johanssons udstilling Ung i Randers 1978-1979, som åbner 4. marts. Jeg er meget overrasket over filmen fra dengang for så længe siden. Jeg ser ingen fejl, synes den er dybt interessant. Jeg er så glad for de medvirkendes sprog, som jo er, som det var, og med det gør filmen direkte bevægende. Den er så smukt fotograferet af Lars Johansson og jeg kan i mange scener fra optagelserne huske Finn Larsens insisterende spørgsmål og opfordringer til de medvirkende til at fortælle lige lidt mere af det, han i forvejen vidste fra forundersøgelsernes mange samtaler og én for én får formuleringernes pointer hjem, gennemfører dokumetationen og lander den i en enkel poesi. Og derefter har så den solide og erfarne klipper Anker Sørensen sammen med Finn Larsen forsynet filmen med et velorganiseret flow og en egensindig intern rytme der så besynderligt faktisk stadigvæk er der og fungerer i det meget opmærksomme og rolige, men ikke langsomme klip. Så tilfredsstillende, at den fllm er bevaret.

Finn Larsen og Lars Johansson: Ungdomsbilleder, Danmark 1979, 48 min., Det Danske Filmværksted.

http://www.dfi.dk/faktaomfilm/film/da/2573.aspx?id=2573 (Fakta om filmen)

https://www.youtube.com/watch?v=j5zMLL2qNH4 (Finn Larsen om sin   udstilling med grønlandske motiver "Mans Land", 2012)

http://www.larsjohansson.info/ (Lars Johanssons hjemmeside)

Ulla Boje Rasmussen: Western Outposts

Subtitle: ”Faroese Cinematic Narratives”, that I enjoyed the great pleasure to be with the whole (yester)day. True pleasure indeed and admiration for the work of Ulla Boje Rasmusen and Andreas Fischer-Hansen to have done the fundraising to have a new digitized version made of the two documentary classics ”1700 Metres from the Future” (1990) and ”The Light on Mykines Island” (1992) in several languages (subtitles), with an epilogue short film ”Not on a Friday” (2015) and a fine booklet ”on cultural and social aspects of Faroese life”. A dvd box of rich content, in other words. These two films have an outstanding position in newer Danish documentary history, not because of their high informational and cultural value introducing the ”Western Outposts”, the Faroe Islands, but because of their quality as Documentary Films. Also today, 25 years after they were made.

Klucis DVD – a Gift to Film and Art Lovers

It was a privilege to follow the development and production of Peteris Krilovs ”Gustavs Klucis: The Deconstruction of an Artist”. And it was a privilege to see how the producer of the film Uldis Cekulis fought for the film to have the necessary financing to be completed. And to be able to see the end result live up to the high ambitions. The film had its premiere in Riga in May 2008 and now – 7 years later - it has a new premiere as a very inviting 2 dvd set, a collector’s edition it is called, including a booklet, well it is all there for you to enjoy, experience and learn from!

The visual part first: The 90 minutes version is there in English vo and subtitles, as are the Latvian vo with subtitles and the Russian vo with subtitles. Plus a 90 minutes version with Peteris Krilovs and editor Julie Vinten in conversation with me, in the best English we know! It was the first time we did that, commenting on what you see in this and that sequence, hope it works! And then on the second dvd

Jihlava: Julian Assange to Inspire Documentarians

A press release came in today with quite some news for those who intend to visit the 2015 Jihlava International Documentary Film Festival the coming autumn. The always innovative and sometimes also controversial festival in the Czech Republic – I had a very good time there last year with fine works and masterclasses with Wojciech Staron, Peter Kerekes and Miroslav Janek – proudly announces that the first guest of the Inspiration Forum of the festival is Julian Assange.

I quote festival director Marek Hovorka from the text received: “Julian Assange is a global icon, digital Robin Hood, who has managed to divide the society into his devout supporters and ardent opponents. While The New York Times describes him as the most influential journalist in the world, the republican presidential candidate has stated that “any punishment apart from hanging would be too kind to him… We have been trying to get Mr. Assange involved in the festival’s programme for over three years and we highly value his promise to participate, albeit through the mediation of the Ecuador Embassy. It is known that he rarely makes public appearances. Visitors of Jihlava IDFF will have a unique chance to ask him various questions. As part of the Inspiration Forum, Julian Assange will also collaborate with selected documentarists on their work.”

Read more about the plans for the festival on its site, link below.

The festival takes place October 27 – November 01 2015.

http://www.dokument-festival.com

DocsBarcelona Books Wine Alentejo Messi

A very special day at the festival! First step was a visit to the fabulous Libreria Altaïr where ”el vermut de los sábados” this weekend was dedicated to a conversation with the DocsBarcelona directors of ”The Final Stretch” (Oscar Perez), ”Bikes vs. Cars” (Fredrik Gertten), ”Beaverland” (Nicolas Molina & Antonio Luco) and ”Alentejo, Alentejo” (Sergio Tréfaut), followed by an informal drink at a place full of books with a nice small café connected. Altaïr is also an online travel magazine published six times per year.

Next stop was another one of festival director Joan Gonzalez (photo) crazy ideas: Why not combine ”Docs & Wine”, the title of a rendez-vous in a restaurant, where clips from five films were shown to be matched with the tasting of five different wines – what wine would be the best for that wine etc. Joyful event, indeed. The warm and sweet film ”Tea Time” goes with a Moscatell from Catalunya del Nord, right?

Hussin Brothers: America ReCycled

Had they pitched this project in Europe, producers and financiers would have hesitated committing themselves as the brothers are debutants. And would have continued ”don’t start before you have all the money”. In this respect there is a difference between filmmaking in Europe and over here. In the US filmmakers take risks, well they have to, as public funding does not exist.

The brothers Hussin went off to do their first film with very little funding. From a production side point of view crazy and impressive! Noah and Tim Hussin went biking, 5000 miles in two years. On bikes built by themselves. America reCycled. Many case stories on how they made this happen, must be waiting for them - out there at festivals in the US and in Europe.

And they have made an impressive film! They allow us to meet

Jørgen Vestergaard: Højt skum

Det drejer sig om et stort anlagt og imponerende biografisk filmessay om skuespilleren, forfatteren, maleren og tegneren Robert Storm Pedersen (1882-1949) og hans kunst. Kunstnerbiografien er en af Jørgen Vestergaards foretrukne genrer, der har været film om malerne Ovartaci, Jens Søndergaard og Kirsten Kjær, musikerne Evald Thomsen og Karl Skaarup, billedhuggeren og præsten Anton Laier. Ærlige, på en smuk måde troskyldige, hver for sig af særlige grunde vidunderlige film.

Storm Petersen skildringen, som nu et stykke tid har kunnet ses i en række biografer slutter sig til rækken. Den er et indforstået arbejde, en skildring af et næsten privat forhold, som medfører en indforstået fortrolighed, som faktisk er venligt så ekskluderende, som når jeg udsættes for fremmede menneskers familiebilleder eller fotos fra rejsen. Jeg kigger fra yderst på stolen høfligt interesseret på Jørgen Vestergaards verden. Og nej, ikke engageret. Og hvad skyldes så det? Nok, tror jeg, at jeg ikke er fortrolig med det gamle København, BT, Peter og Ping i gamle dage, kender ikke Pilestræde og Berlingske, borgerskabets smag og humor. Det har aldrig været en del af min verden.

Fortællerstemmen er (måske kun for mig?) lidt krukket og påpegende, noget nedladende, men nok ægte inden for den etablerede Storm Petersen tradition og for det trofaste publikum fortsat udholdelig. Men den er overtydelig, faktisk ikke i øjenhøjde. Mon med nogen overhovedet? Det mærkelige er, at den taler midt ind i det moderne, om det moderne. Og så kommer Ebbe Rodes sangforeningsformand! Han er moderne og er i min begrænsede erindring helt sin egen tradition, uopslidelig, moderne kunst i kontakt med verdenskunsten, både med Mark Twain og Samuel Beckett tror jeg. Og Storm Petersens egen oplæsning i radioen er vidunderligt moderne, ægte og aldeles udholdelig og holdbar. Og så kommer filmens højdepunkter, dens umistelige tilføjelser til Storm Petersen fortolkningen:

Ada Bligaard Søbys amerikanske trilogi

FOF-Randers havde bedt mig pege på film til filmklubbens sæson 2014-15. Jeg havde denne gang til fire aftener valgt de fire film, som jeg på filmkommentaren.dk havde givet de bedste anmeldelser, simpelthen. Nogle af filmene havde en længde, som levnede plads til forfilm. De er så lidt ældre, men valgt efter samme princip: de har fået de bedste anmeldelser. Forleden aften var det så Ada Bligaard Søby aften i Filmklub FOF, vi skulle se og snakke om ”Petey & Ginger”(2012). Den er på knap en time, så der var plads til de første 15 minutter af ”American Losers” (2006) og hele ”Black Heart”(2008), så vi kunne snakke om instruktørens amerikanske trilogi, som vi kaldte det. Indbydelsen til medlemmerne bestod logisk nok af tre citater fra mine anmeldelser:

American Losers, 2006

”… Og jeg samler mig sammen. Hvad er det med den her film? Genren bestemmer jeg hurtigt, det er filmisk dokumentar milevidt fra journalistik. Attituden er kunstnerisk. Indholdet er vanskeligere at indkredse, det er en blanding af biografi, tragedie og komedie, og det er med musikkens afgørende placering tæt på at være en lille street musical også. Metoden er rejsebeskrivelsens, og der iblandes post-chatwinsk samtaler og interviews alt sammen i direct cinema stil, men ikke klassisk. Her er kameraet medspiller, den tredje karakter. Og der garneres med en overdådighed af billedmateriale, personligt arkivstof og lyriske optagelser til indklip. Grebet er ofte collagens, men helheden er og forbliver timen igennem et vemodigt personligt essay om en stor herskende kultur og om to forskellige og dog så ens frigørelsesforsøg inden for dens dominans.”

Black Heart, 2008

”… Vedholdende og inspirerende og fascinerende fortsætter Ada Bligaard Søby sit filmarbejde, hvor hun dels lag for lag undersøger den moderne kærlighed mellem ham og hende, dels i fremstillingen disciplinerer balancen mellem disse to karakterer med en milligram-vægt uden den flimrende lethed i fortællingerne et sekund slippes, dels fornyr det nutidige filmbillede med ganske nye kvaliteter af sikre, personlige valg i både andres arkiv, i instruerede nyoptagelser og sit eget fotografiske materiale. I hendes film bliver alt musik ved siden af den egentlige musik som igen omhyggeligt afmålt slutter sig til billedernes og sætningernes og sindsstemningernes kadencer. Genren er lyrisk film, indholdet poetisk indsigt, stemningen humørfyldt vemod.”

News from Paris: René Vautier 1928-2015

Grand old man and enfant terrible of French militant cinema René Vautier died Sunday January 4th in his home in Cancale, Brittany, at the age of 86. Originally from Brittany, René Vautier fought the Germans as a very young member of the French Resistance during the Second World War, at 16 he was decorated with the Croix de Guerre and honoured by de Gaulle. After the war he wanted to pursue the combat but not with arms and his friends then encourage him to take up a new weapon: the camera. His battle was to last a life long.

Vautier graduated in 1948 from the film school IDHEC in Paris. In 1949 he gets a command to make a film for the Ligue de l’enseignement about the benefits of the French educational mission in the West African colonies. The result, Afrique 50, became, on the contrary, a violent critique of the French colonial system. Vautier’s first film was also the first anticolonial film ever to be made in France and the reaction was violent in return: Vautier was faced with 13 charges and sentenced to one year of prison!

The film has an incredible story. To escape the limitations of the 1934 decree of the Minister of the Colonies Pierre Laval (forbidding any filming in the colonies without the presence of a an administration official) Vautier went on to film in secret. He almost got his film rolls confiscated for destruction in Africa but managed to get his work back to France where he finally had to illegally retrieve the reels kept under seizure by the board of censors (he got 17 of 50 reels). The film was finished in secret and stayed censured in France for over 40 years though it was awarded as one of the best documentaries of the year at the World Festival of Youth and Students in Warsaw in 1955 (with Joris Ivens as president of the jury). In 1996, a copy of the film was finally handed over to Vautier by the Foreign Ministry during the first official screening in France and only in 2003 the film was broadcasted on French television. The Cinémathèque française has recently made new copies of the film as part of their effort to safeguard the entire oeuvre of René Vautier initiated in 2007.

Afrique 50 is a short powerful outburst, a rhythmic pamphlet, swiftly edited with an attacking voice-over. Playing with the genre of educational state propaganda documentary but turning it against the government, the film pinpoints, with humour and great seriousness, the link between capitalism and racism. Film historian Nicole Brenez, specialist of avant-garde cinema at la Cinémathèque française, has called it the greatest film in the history of cinema. Go see it, it’s on YouTube!

Mark Soosaar: Vabatahtlikud (Volunteers)

I Danmarks Radios arkiv ligger en kopi af en dokumentarfilm fra 1919 med titlen ”Danish Volunteers” (betegnet ”Korps Westenholtz”), som Anton Kjædegård i 1972 opsporede hos et filmselskab i Ontario. Filmen er optaget af den danske fotograf Asbjørn Beck, der fulgte Kompagni Borgelin, et dansk frikorps, privat hær eller milits (knyttet til Korps Westenholtz, men nyere og under eget navn, Dansk-Baltisk Auxiliær Corps) på omkring 200 unge mænd, som under Richard Gustav Borgelins ledelse deltog på estisk side i kampene mod indtrængende russiske styrker under den estiske uafhængighedskrig 1918-20. Betydelige dele af denne film, altså Becks reportage fra fronten og fra bag fronten indgår i Mark Soosaars omhyggelige, speakbårne, roligt ordnede skildring af danske, svenske og finske frivilliges deltagelse i kampene og medvirken – måske lille af militært omfang, men betydelig som moralsk og politisk støtte – til den estiske uafhængighed og til oprettelsen af den estiske republik 2. februar 1920.

Filmen består af en række nye interviews med erindringer og kommentarer og af et sjældent arkivmateriale af film, stills, dagbøger og breve, et historisk tilbageblik, som nu i 2014 med ét kan siges at være alvorligt aktuelt: frivilliges deltagelse i militære konflikter i andre lande på politiske, religiøse og etiske grænsekrydsende grundlag.

Daniel Dencik: Tal R: The Virgin /2

Tal R får med det samme ordet, og han taler lavmælt og intenst filmen igennem. Denne gennemløbende fortælling rammer mig, overbeviser mig, besejrer mig med sin alvor. Tal R hedder han, og jeg får efterhånden forklaringen på fornavnet. Det er egentlig et pigenavn, fortæller hans forældre, da det bliver deres tur til at fortælle noget. Bogstavet R står for efternavnet, og i listen over filmens medvirkende, ser jeg, at efternavnet må være Rosenzweig. Flere af de medvirkende vidner hedder Rosenzweig. Det er familien, hustruen, forældrene, børnene. Så er der derudover venner og kolleger til at tegne det portræt af en maler, som stemmen har åbnet for.

Skønhed er det vigtigste. Det er det første Tal R fortæller. Ordet diskuteres ikke, det skal ikke forstås dybsindigt, det skal ikke fortolkes, det står for sit almindelige pålydende. Og det har Martin Munch, fotografen taget til sig i sit arbejde med optagelserne af den række stiliserede scener, som filmen består af. Tableauer hedder de i Denciks synopsis. Stiliseringen er ikke en manér, en påtagethed. Den er en naturlighed, et alvorligt og konsekvent valg. Sådan skal filmen være, og sådan er de medvirkende instrueret i en iscenesættelse, som omfatter fotografering, klip, set design, alt, så det er gennemført cinematografi, som lever opmærksom i sin neddæmpethed.

Skønheden er oppe mod selve ødelæggelsen, truslen om holocaust hviler som en tyngde over malerens tænkning, over hans arbejde. Krigens og mishandlingens rædsel har fulgt ham i drøm og forestilling siden barndommen. Det bekræfter forældrene. Og det skildres i filmen som et livsvilkår, det gives ikke hen til en psykologisk eller historisk eller biografisk forklaring. Således er Denciks film også et usædvanligt værk.

Danmark, 2014, 30 min. Filmen sælges på dvd (with English subtitles) i Tiger butikkerne overalt og kan streames VOD: http://danishdox.com/tal-r-the-virgin

Anmeldelser: Politiken (Dorte Hygum Sørensen) Ekko (Henrik Østergaard) FilmGuide (Nanna Frank Rasmussen)

Ida Bach Jensen: Komponist

På fotografiet er instruktøren på optagelser i en by i Tyrkiet, hvis navn hun og den medvirkende Eva Noer Kondrup øver sig i at udtale. Kondrup fotograferer instruktøren, som til sin films tredje sats skildrer komponisten Kondrup i hendes opsøgen en særlig kultur med kniplingekunst, kvinders kunst. Kniplingernes tråde omdanner Kondrup i sit kompositionsarbejde til musikforløb i den strygekvartet, hun arbejder på. Der er senere en smuk scene hjemme i arbejdsværelset, hvor hun tager sin egen kniplingesamling frem, og jeg tænker med ét på Malte Laurids Brigge som barn, i en tilsvarende scene i Rilkes roman, et sammenfald i min erindring, som vokser sig så manifest, at jeg ikke vil slippe det, selv om det jo ikke er godt med private associationer i anmeldelser. Så jeg læser det alligevel ind i min læsning af filmen, dette sted hos Rilke:

”… ’Skal vi se dem Malte, ’ sagde hun og glædede sig, som om hun skulle have alt det forærende, der lå i den lille, gullakerede skuffe. Og så kunne hun af lutter forventning slet ikke pakke silkepapiret op. Det måtte jeg altid gøre. Men også jeg blev helt ivrig, når kniplingerne kom til syne. De var vundne om en trærulle, der slet ikke mere var at se for bar kniplinger. Og nu viklede vi dem langsomt op og så på mønstrene, hvordan de forløb, og blev altid lidt foskrækkede, når et stykke var ude. De hørte så pludseligt op.”

Katrine Borre: Mettes stemme

Det begynder naturligvis med Mettes stemme, som fortæller om stemmerne, hun konstant har hørt siden, hun var barn. Bebrejdende, truende, foruroligende… Men så kommer en stemme, som jeg kender fra en tidligere film, Katrine Borres stemme. Det er en stemme, som gør mig tryg. Den har to funktioner, den bærer fortællingen ud af filmen hen til mig, og den er med i filmen, deltager i samværene fra sin position ved kameraet. Jeg ser og hører det, instruktøren ser og hører, er lige ved siden af. Og instruktøren gør tydeligt den plagede Mette Askov tryg, for aldeles og ganske naturligt indforstået accepterer instruktøren og filmen det faktum som et faktum, at Mette hører stemmer, forfølges af dem. Den psykiske lidelse, som lægerne siger det er, har navnet paranoid skizofreni og skal og bliver da også behandlet med medicin. Og jeg forstår med filmen og må acceptere disse nøje beskrevne stemmer. Jeg gør det uden videre, for de er virkelige, i filmen er de lige så virkelige som de landskaber, dyr, personer, rum og ting i rum, som filmen også omhyggeligt gør rede for. Katrine Borre har altså holdt fast i sin metode fra den tidligere film, hun fortæller sin film i en personligt velskrevet speak i jeg-form, og hun snakker med fra kameraets position, livlig, veloplagt, klog. Det er rigtig godt. Storyline er Mette Askovs bevidste og valgte projekter med sig selv på vej ud af lidelsen.

Den kloge og gode ven filmer uvejr. Han er et kæresteprojekt, som filmen følger til dets forlis, men filmen inkluderer hans landskabsoptagelser af naturen i oprør, de bliver selvfølgelige vignetter. Mette Askovs veninde har en dyrebutik. Veninden er også et projekt, et kollegialt og professionelt projekt, som filmen følger. Det bliver den fortælling af almindeligt menneskeliv med arbejde og hverdag og store, men gennemførlige forehavender, som Mette Askov kan skubbe ind som alternativ til livet i bofællesskabet. Et holdbart alternativ, jeg ledes til at tro på. Veninden ser ikke Mette Askov som syg, slet ikke. Og så er der møderne med psykologen, som er et sideløbende behandlingsprojekt, som filmen følger gennem et succesrigt forløb. En vigtig traumatisk oplevelse i Mettes ungdom klarlægges og psykologen forklarer Mette, at hendes reaktioner på den begivenhed er normale, ja, netop normale. Og så er der filmen, jeg sidder og ser, som Mette Askov nævner blandt sine vigtige projekter, da hun opregner dem.

Under hesteterapien viser det sig, at den hest, Mette Askov skal føre, er ganske almindelig tryg ved hende, og gårdens kat søger ganske naturligt hen til netop hende. Katrine Borre noterer det præcist det rigtige sted. Mette er i bedring. Og sådan er filmen en omhyggelig redegørelse, den er klippet i scener (ikke i argumenter), dens form er en serie opmærksomme, lyttende tilstedeværelser, som jeg inviteres til at deltage i. Men der konkuderes ikke på mine vegne. Heller ikke om den psykiatriske forståelse, den er der bare som en stor, stor del af Mettes dage. Den forsigtige, men præcist formulerede undren over medicineringen er bygget ind i dialogen mellem de involverede, her blander instruktøren sig ikke, hun lader os kun lytte med. Først tre fjerdedele inde i filmen røber hun selv i sin fortællestemme en mild undren: hvorfor har lægerne gennem de mange år ikke interesseret sig for Mettes livhistorie? Jeg synes, det er smukt – og stærkt virkende. Det er på sådanne måder en fin og meget vigtig film.

Som Lasse Jensen (Mennesker og Medier) skrev på sin Facebookside: ”Her er et eksempel på en film, der kun er blevet til, fordi instruktøren bare VILLE lave et vigtigt og menneskeligt indspark i psykiatridebatten, selv om hun stot set ikke fik en krone for det… den bør vises i tv.” Katrine Borre har lavet alt selv: instruktion, foto, klip, været med på lydmix og så har hun altså stået for selve produktionen ved sit eget selskab.

Danmark, 2014, 58 min.

Link til katrineborrefilm.com (En række af Katrine Borres film kan streames herfra)

Adam Schmedes: Ishavets kæmpe

Det her er billeder fra en hvals biografi. Det første viser vores hval, som dier, det andet er vores hval i parringsdans årtier senere, det tredje still er vist nok fra filmens slutning. Vores hval er nu mere end 200 år gammel. En Grønlandshval kan nemlig blive så gammel, hvis den er heldig og undgår sin værste fjende, mennesket. Det er mærkeligt. Jeg accepterer det. Jeg er mange gange i filmens forløb og i lang tid med på dens forudsætning, at jeg følger en bestemt hval, vores hval, som bliver meget gammel, den er født i 1700-tallet og den lever endnu. Til forskel fra de fleste af dens slags, som blev fanget og kogt til hvalolie under den europæiske industrialisering gennem 1800-tallet. Det er kort fortalt filmens handling.

Jeg gik skeptisk til Adam Schmedes' film, for jeg vidste jo, at der ville være så meget, jeg ikke kunne lide, fordi jeg forstyrres af dyr med individualitet, med navne, som tillægges personlige stedord i speaken, og jeg forstyrres af rekonstruktion og pludselige spillefilmgreb, forstyrres, ja, generes direkte af omklamring, moralisering og mangel på tvivl. Og så gik det altså alligevel sådan, at filmen voksede og voksede for mine øjne, og jeg gik imponeret fra filmen, tænkte hvilken indsats og var fyldt af sorg. Denne overmåde hensynsløshed mod dette dyr havde jeg i virkeligheden ikke kendt til. Og det var jo meningen, at jeg skulle have det at vide, forstå det og sørge. Det er Adam Schmedes hensigt med sin film. Det er også på den måde et selvfølgeligt mesterværk og derfor også netop så æstetisk provokerende, for det er et værk af en stærk og egensindig mester, som kun vil det han vil.

Jørgen Vestergaard: Ritualer

Måske er det rigtigt, måske betragter Jørgen Vestergaard sine danskere i sine danske film etnografisk / socialantropologisk, som var det et eksotisk folk, han gennem årene i sit værk er kommet udefra til og har beskrevet. Nu har han i hvert fald – i sig selv prisværdigt – fået digitaliseret og udgivet yderligere tre film på en dvd med overskriften ”Ritualer”. Den snævre term lægger et underfundigt fagligt fortolkende blik ned over de tre meget forskellige film, som ellers har folkeligt imødekommende talemåder som titler, ganske anderledes bredende sig ud. Lad os se på det:

Michael Kloft: Heinrich Himmler

Kvinden her hedder Katrin Himmler, hun er barnebarn af Heinrich Himmlers bror, og hun arbejder med slægtsforskning. Men hun har ikke ordningen af stamtræet som mål, det er redskabet til at fatte den forfærdende, men undertrykte sandhed i familien: ja, Heinrich Himmler, chefen for SS og nummer to efter Hitler er vi i slægt med! Katrin Himmler er et af de tre medvirkende vidner i filmen og trods sin udtrykkelige titel handler filmen for mig om hende. Det er hendes vidnesbyrd, som har brændt sig fast. Det er klogt og smukt og usædvanligt. Det sidste er det vigtige, det er en ny generations syn på det stof. De andre medvirkende, en mand og en kvinde, begge overlevende fra Himmlers lejre er rystende, de er afklarede og præcise med detaljerne. De er nødvendige for filmen, og de er set før, ikke netop disse to, men utallige som dem. Det er forfærdende: de er almindelige, vi har hørt deres historie igen og igen, og vi SKAL høre den igen og igen.

Historien om Heinrich Himmler er velkendt og fortsat oprørende, og det er bestemt dybt interessant at få den nøgternt biografisk og kronologisk rullet ud: Introduktion, tidlige år, antisemitisme, familielinjer, udryddelseskrigen, den endelige løsning, privatliv. Det er forfærdende, men jeg har jo for længst lært at lægge afstand til dette arkivstof, denne historiske fortælling, som aldrig ændres. Men jeg ser det, synes jeg skal, det er næsten en pligt. Og jeg respekterer en tv-journalist som Kloft, som er meget erfaren, han har en omfattende produktion bag sig, derimellem en række med emner fra Tysklands historie op til, under og efter 2. verdenskrig.

Men det er ikke historiefortællingen som optager mig. Det er de tre medvirkende. De medvirkende kan for mig sagtens overtage en dokumentar, så jeg ser bort fra alt det andet. Det sker her, og altså især Katrin Himmler. Hun overtager filmen, mens jeg ser den, erobrer den for mig lidt efter lidt, nu bagefter i erindringen fuldstændigt.

Tyskland, 2008, 52 min., Spiegel TV. (Jeg har på fornemmelsen, det var en nyere bearbejdelse, denne svenske version, jeg så forleden aften på SVT2 )

Henning Larsen 1925 - 2013

Jytte Rex nåede i tide at portrættere Henning Larsen, og hun binder i kvartetten om kunstnerisk arbejde, hvoraf filmen om ham på alle tænkelige måder er en integreret del, denne kunstnerskildring fuldstændig sammen med de tre forrige: Inger Christensen, Palle Nielsen, Pelle Gudmundsen-Holmgreen. I greb efter greb. Også Henning Larsen skal op ad en trappe. Tæppebelagt i et hvidmalet trapperum. Op til sin bolig, hvor alt er hvidt, især gulvene, forklarer han nøgtern, i en tilbedelse af lyset, dagslyset, som former rummene, som jo er hans kunsts genstand. Og han siger senere, at et rum kan være tydeligere i tåge, og i Riyadh skulle lyset begrænses. Som det er med musikkens lyd, er det med lyset, det skal formes, derfor er arkitektur som frossen musik, hedder det frapperende. På det mest neddæmpede fører Larsen mig stolt, beslutsomt og bestemt gennem filmens univers af æstetiske problemstillinger, inden for arkitekturen, ja vist, men med reference efter reference til kunstnerisk arbejde i det hele taget. Henning Larsen er spiller i Jytte Rex' essayistik, hans bygningsværker er locations og landskaber til Jakob Bonfils’ og Steen Møller Rasmussens optagelser, og Grete Møldrups klip placerer ham og hans replikkers fortælling nænsomt og sikkert i en uventet sammenhæng. Uventet for dem, der ikke kender de tre film, som går forud for denne. Filmen med ham bliver med faste og beslutsomme hænder placeret som et stort og herefter uundværligt element, en fuldstændig bygningsfløj i en filmisk arkitektur. Filmen kan ses for sig selv, men den kan kun for alvor læses som et afsnit, det fjerde, men ikke sikkert det sidste, i et stort, dybt integreret og dynamisk filmværk i fortsat udvikling, fra nu en firefløjet tavle med de forunderligste og skønneste billeder. Så godt Henning Larsen er med i dette filmværk, som skildrer hans arkitektarbejde kongenialt, så godt at vide nu, han er død.

Jytte Rex:  Henning Larsen – lyset og rummet, Danmark 2012, 70 min. Manuskript: Jytte Rex, fotografi: Jakob Bonfils, Steen Møller Rasmussen og Jytte Rex, klip: Grete Møldrup, produktion: Christian Braad Thomsen , Kollektiv Film, distribution: Kollektiv Film (salg af DVD herfra). Kan ses på filmstriben.dk nårsomhelst og på DR K tirsdag 25. juni 21:35.

Blogindlæg om Jytte Rex' fire kunstner film (Inger Christensen, Palle Nielsen, Pelle Gudmundsen-Holmgreen):link 

Jørgen Vestergaard: Spillemanden

Vestergaard tager igen simpelthen ordet og fortæller en historie. Den her gang om en stor musiker ude på landet, der hvor de bor. Han gør det på den måde, han kan og altid har gjort det på, i en dokumentarfilm, som han bare laver. Han samler pengene sammen, han samler holdet af kolleger og venner og går i gang. Optager og klipper og færdiggør og indtaler sin fortælling voice over. Det er sådan han tager ordet, og jeg bliver så glad, når jeg igen hører hans stemme fortælle om det, han nu er optaget af. Det gik sådan til, at Jacob Oschlag fra foreningen Thy Folkemusik pegede på en fortsættelse af filmene om Evald Thomsen, Evald og Ingeborg og alle de andre (1974) og om brødrene Ejnar, Hans og Karl Nielsen fra Oksbøl, Æ Tinuser (1979). Han skulle lave en film med Karl Skaarup.

Filmen er for så vidt om ham, spillemanden Karl Skaarup (1924) fra Koldby i Thy, men den er mere end det, den er en film om musik, og den er derfor især med ham som medvirkende, han fortæller skam lidt om sig selv og sit liv, men vigtigst, han forklarer fagligt og omhyggeligt om sin musik i ellers ubeskrevne detaljer, om sine forbilleder og om sin undervisning, som han sent i karrieren med succes blev lokket ud i af en ny generation af musikere. Filmen er om musik og musikalske generationsskifter uden egentlige brud, men med traditioner og videreførelser og fornyelser. Og så om den personlige faktor: det drejer sig her om Karl Skaarup. Og den loyale, klassiske tv-dokumentar udvider sig, ja, Skaarup fortæller, som han forventes, om gamle dage og missionens syn på hans fag i dans og alkohol og hans myndige dialekt slår fast: det er ikke synd. Men han bliver faglig i sin selvbiografi, holder sig til instrumenternes række, fortæller om dem, han har ejet siden barndommen. Og så kommer det interessante, musikken. Han lærte at se på de dansende, skille de dygtigste ud og spille efter dem, for dans og musik hører sammen, i hans verden i den rækkefølge. Sådan er kunsten.

Filmens kerne er mødet mellem Karl Skaarup og violinisten fra konservatoriet, Kristian Bugge, mødet mellem erfaring og begejstring. Bugge overtaler Skaarup til at tage sig som elev, og efterhånden bliver Skaarup en slags ekstern lærer ved Fyns Musikkonservatorium. Selv havde han lært af violinisten Viggo Post fra Bedsted, og han kunne så videreføre kendskabet til de lange, lange thyske turdanse i akademiske rammer, men ikke kun denne folkloreindsamling, han tilføjede og fortsætter med at tilføje sin egen kunst, det gammeldags på den autentiske, den ægte måde. Musikken er levende, variationerne udvides med improvisationer, som i opmærksomhed på dansen stadig understreger denne. Dette er Vestergaards films fornemhed, klippet følger og illustrerer konkret i dejligt lange scener uden nogen fotografisk eller klippeteknisk pynt, at Karl Skaarup samler en stil omkring sig, en musikalsk skole velsagtens, der som hovedingrediens er afhængig af og respekterer, hvad folk gør, når de danser, og af, hvad de simpelthen kan lide.

Jørgen Vestergaard har lavet en film om og en udforskning af en stor musikalsk tradition i sin værkrække, endnu en fint følt film om kunst. Direkte gribende er det at overvære den gamle musiker lytte sig opmærksomt ind i et ungt orkester, Habadekuks fremmede musik og lidt efter lidt spille sammen med dem, senere at se ham give koncert for 400 alvorligt lyttende tilhørere i Vestervig Kirke, koncert, ja! Både spillende med i stort orkester og som solist med fuldstændig stilhed omkring sig og sin harmonika.

Jørgen Vestergaard: Spillemanden – en film om Karl Skaarup, Danmark 2012, 39 min. Fotografi: Orla Nielsen, lyd: Erik Nielsen, klip: Henrik Jørgensen, musik: Karl Skaarup, Kristian Bugge og Habadekuk, idé: Jakob Oschlag, produktion: JV film & tv, salg: Forlaget Knakken orpo@thisted.dk

Michael Apted: 56 UP

Does it need an introduction this magnificent achievement in the history of documentary cinema and television? Lucky you who have not seen the series that started in 1964, when the children were 7 and have continued every 7 years until now when they are 56 years old. Half a century with Jackie, Suzy, Neil, Nick, Tony, Charles and the rest of them – and Michael Apted (born 1941) intends to continue, ”as long as I am above ground” as he has stated it.

And lucky us who have followed them, and have been able to mirror ourselves and our lives in these characters, who came from different places in society and took different roads in life. Some did what they said they wanted to do when 7 or 14, others – luckily – broke the pattern, for good or worse.

What you can say about 56 Up is that not much has changed since 49, it is like that, is it not? And yet there are illnesses, and there is the society around you and its politics. Neil is trying to change things through involvement in the local community but he is still a person, you sense suffers a lot. Jackie gets a grandchild but is not able to work and is surrounded by illness. Tony (the one on the poster) still has this huge appetite for life but has had his downs. Bruce is camping with his sons and wife and seems to have settled after years abroad. And, great move by Apted, Suzy and Nick, who got friends through the series, talk to each other about being in this film series. ”I hate it”, says Suzy, ”but I guess I feel a kind of loyalty to it.. it is like reading a bad book, but you see it through”. Nick contemplates on the little you can achieve by filming people for 7 days every 7 years. ”It is not about me but about somebody”, he says, and right he is if he by that means that it could be you and me, at least there are so many identification points for all of us when watching.

A link below refers to an article in Guardian, where three of the kids who are now 56 talk about what it has meant to take part in the Up series. 

56 UP, already broadcast on British tv, will open at New York’s IFC Center on Friday January 4th, 2013 with a national theatrical run to follow. The film will have its US broadcast on POV in Fall 2013. Amazone has a dvd box available.

England, 2012, 140 minutes

http://www.guardian.co.uk/tv-and-radio/2012/may/07/56-up-its-like-having-another-family

Jørgen Vestergaard, alle blogindlæg om hans film

Præsten i Vrensted, Karsten Erbs, havde den torsdag i oktober 2012 inviteret pensionistforeningen og alle ældre til en eftermiddag i præstegården. Han skrev på sin hjemmeeside, at noget særligt havde været på færde: ”Vi havde bagt boller og lavet lagkage. Og det blev et rigtig godt kaffebord, men eftermiddagen blev rigtig god også fordi jeg viste to små film af Jørgen Vestergaard om Hanstholm. De to film var Vagt ved Havet (1965) og Havnen (1967). To meget fine dokumentarfilm. Det er instruktøren på billedet under optagelserne i 1965 (FOTO, red.). Og naturligvis så vi billeder fra vores bustur til Hjerl Hede.”

Ja, det er nemlig to meget fine dokumentarfilm, og det er stærkt, at de stadigvæk formidles og ses og netop som de er lavet, med den dybt rodfæstede indsigt i egn, og folk og sprog og selvforståelse, udfordre og bekræfte et publikum med så udbygget konsekvensekspertice som den ved kaffebordet i Vrensted i torsdags. Vestergaards film lever og godkendes hver eneste gang.

SOMMERHESTE (1964) og LANDSBYEN LEVER (1990) 

Det er så godt, at Jørgen Vestergaard sørger for at få sine mange vigtige film fra en lang og i ordets forstand enestående produktion ud på dvd. For disse film har alle årene været noget helt for sig selv, og de vil blive stående som enestående. Som en særlig filmkultur, han er alene om. I hvert fald på det niveau. En kultur i landets midte, som journalister og politikere for tiden kalder nationens udkant.

Patrick Barbéris: Vietnam-Treason by the Media

Eddie Adams fotograferede 1. februar 1968 på en gade i Saigon politichefen i Sydvietnam, som personligt uden videre likviderer en viet cong leder. Det rædselsvækkende fotografi er, som alle i min generation ved, uhyre berømt, det er måske det fotografi, som frem for andre tegner den krig for mig. Men jeg kender ikke historien, kendte den ikke, før jeg så Patrick Barbéris' dokumentar i aftes. Det var en rystende oplevelse. Materialet til denne historie, som blot er en af filmens talrige, er for en stor del ikke nær så kendt arkivstof, billeder, jeg ser første gang, og så er det en række fremragende (ja, simpelthen fremragende) interviews med en lang række af disse journalister fra den gang, Joseph L. Galloway, Walter Cronkite (på materiale fra dengang) og Peter Arnett og flere til, hvis navne alene får mig til at holde en lille pause for at give også den erindring plads. Og som var det ern selvfølge, er det hele ledsaget af en afdæmpet, indsigtsfuld, ja, klog og meget velskrevet fortællerstemme, som uddyber og udfolder det, vi altid har sagt, at Vietnam krigen var den første krig, som var billeddækket samtidig med, i sekunderne, den fandt sted. Ja, vi har sagt det hele tiden, men hvordan var det nu, det var med det? Det ved jeg nu, jeg har set Patrick Barbéris' videnfyldte og tankevækkende værk.

Patrick Barbéris: Vietnam, la trahison des médias (Vietnam-Treason by the Media), Frankrig 2008, 90 min. Arte France ved Thierry Garrel. Set på DR K i aftes. Genudsendes 21. september 01:00 og 25. september 12:50. Er udkommet på DVD.

Ada Bligaard Søby, alle blogindlæg om hendes film

Scene efter scene stilles i kø i disciplineret række og forbindes kontrapunktisk med interview- og dialogmateriale, dokumentariske beretninger i løsreven fastholdelse. Det er meningsfuldt i en ganske anden form for filmfortælling end den normale danske tradition; og det er befriende, så befriende…

Ada Bligaard Søby var atter i januar 2014 månedens instruktør i FILMKLUB FOF i Randers. Vi skulle se klip fra nogle af hendes film og snakke om dem, og til sidst skal vi se den da Petey & Ginger - a testament to the awesomeness of mankind og på dens hjemmeside hed det kontant om den: “When the global economy collapses the only true victors are those that weren't invited to the boom. Petey & Ginger elegantly and honestly documents two very real characters who semi-happily live on the fringes of I-don't-really-give-a-fuckville-and-that's-okay-ish. Filmmaker Ada Bligaard Søby again invites us into her ongoing infatuation with the treasure that is the blissfully detached lives of American Losers. Take notes…”

Her havde jeg da samlet, hvad vi til nu har af kommentarer til hendes film, og hvad vi senere suppleret med nye blogindlæg:

AMERICAN LOSERS (58 min., 2006)

I have had occasion to see Ada Bligaard Søby’s film which lasts just under one hour. I am impressed. I cannot bring to mind a more convincing début film in all the years I have been involved with documentary films.

I would like to explain why in a kind of review. It starts with the very first scene. With a glance to the camera, the main character, a woman, invites us to follow this story. Of course this is quite simple and innocent – and it works. We follow willingly. This provides an effective framework.

Jean Rouch Tribute

Icarus Films in New York has a strong, high quality catalogue, including several works by Chris Marker, who died end of July this year. This week the company pulished the good news that it has acquired North American distribution rights to six films by “legendary French filmmaker and ethnographer Jean Rouch”.

The press release, that gives a gives a first intro to the filmmaker goes like this:

A founder of cinéma vérité, Rouch is widely recognized as one of the world’s most significant documentary filmmakers, but much of his filmography has long been unavailable in the United States. The six titles Icarus Films has acquired number among his most highly regarded productions: two shorts, LES MAÎTRES FOUS (1955) and MAMMY WATER (1956), and four features: MOI, UN NOIR (1957), THE LION HUNTERS (LE CHASSE AU LION A L’ARC) (1965), JAGUAR (1967), and LITTLE BY LITTLE (PETIT À PETIT) (1969).

Between 1946, when he made his first film in Niger, and his death in 2004, Rouch produced more than 100 films, most of them on African subjects. From his position as a researcher at France’s National Center for Scientific Research (CNRS), he became “one of the most creative forces in ethnographic film and one of its most vigorous challengers.” (Pat Aufderheide, Documentary Film: A Very Short Introduction) “No one”, Gilles Deleuze said of Rouch, “has done so much…to break with a cinema of ethnology.”

The period in which Rouch produced the six films Icarus has acquired represents the most sustained flourishing of his practice of “shared anthropology,” a process of collaboration with his subjects that he described as a “type of participatory research,” which he said, “appears to me to be the only morally and scientifically feasible anthropological attitude today.”

Among this group are Rouch’s two best-known films: LES MAÎTRES FOUS,

Docs for Education

Israeli director and editor Erez Laufer gave me a link to his father’s film website, Docs for Education, an amazing initiative, in Nahum Laufer’s own words ”devoted to distributing high quality creative documentaries suitable for educational purposes”. For those of you who doubt that there is a market for documentaries outside television and cinema and home video, take a look at the site that mentions where the (9) films are available – and to which prizes. Quite impressive! Here is the motivation of Nahum Laufer, taken from the site:

“I was born in 1935 in Poland. During WWII, my mother and I escaped from the Nazis in a journey that ended in Bombay, India. It was during research for a documentary film about my personal life that I became familiar with another fascinating and un-familiar story, that of The Darien, which became the subject of my first script.

The film "The Darien Dilemma" was directed by my son, Erez Laufer, and edited by my daughter, Miri Laufer. The three of us continued our collaboration in "Rafting to Bombay", the film which tells my own personal story.

It was during the creation of these two deeply personal documentary films with my son that I acknowledged the instructive value of this media. Receiving enthusiastic responses from universities, schools, public libraries and other institutions encouraged us to create a small selection of unique, insightful documentary films with educational value.”

Photo from “To See If I’m Smiling”, the strong film by Tamar Yarom about women soldiers in the Israeli army.

http://docsforeducation.com/

Pierre Thoretton: L’Amour Fou

Pierre Bergé, the life long partner of Yves Saint-Laurent (1936-2008), is the one that tells the story about the artist and his troubled life as the fragile and modest designer, who – helped very much by Bergé’s organisational and financial talent – established the world famous fashion house, built up an art collection, and as the years went along, developed deep depressions (Bergé calls it une dépression nerveuse) and took to immense alchohol and drug abuse.

Bergé, often facing the camera, takes the viewer to the different flats and houses of the two, in Paris, in Normandy and in Marrakech with the packing down of the art collection as the backbone of the story. Bergé decided to sell it all after the death of YSL and the film follows that process ending in Grand Palais in Paris at the auction - ”L’amour Fou”, I guess, must refer to both the relationship between the two men, and to their love to the art collection that was of an amazing quality. 

Archive (lots of interviews with YSL, clips from the shows, the amazing ”la collection russe”, and one where Catherine Deneuve sings for the old, shaken designer), photos, his love to the world of Proust (he signed in as Swann when at hotels abroad!), his Mondrian inspiration, the two women who followed him, one his black seducer into narchotics, the other the light and joyful companion. Bergé himself, and his work for rights for homosexuals, is characterised towards the end of the film as a man who lives on memories, a lonely man. (Could, however, have done without the kliché of him standing at a window looking to the sea.) He has been there through the whole film telling his story about YSL. A fascinating insight to a man whose ”fame only brought suffering”.    

Watched the film on DR K, Danish public television (K stands for Kultur), that broadcast several fashion films in connection with a fashion week in Copenhagen. The film is out on dvd.

http://www.ifcfilms.com/

France, 2010, 103 mins.

Christian Braad Thomsen: Blues for Montmartre

Det er en rent ud bevægende film om et smultronställe, et sted at høre til. Det er en film om en personlig erindring om et sted i fortiden, som ikke er mere, men som så er her igen. Her i filmen. Redux. Og det mest bevægende er filmens bekendelse af en fejltagelse: musikeren på fotografiet, Ben Webster var dengang overvurderet af de andre, fordi han holdt fast i det fortidige, mens han, filmens fortæller, var interesseret i avant garden. Nu indser fortælleren / instruktøren, at Webster måske var den største, den vigtigste, selve indbegrebet af Copenheaven, det gamle Montmartre, det klassiske Montmartre. Og den dejlige film topper følgelig med afstnittet om ham, om Ben Webster, som spiller balladen og lige netop dette afgørende sted retter intensitetskurven op på denne blues. Tak for musikaliteten. Tak til klipperen. Tak til Grete Møldrup.  

Filmens fortæller er naturligvis Braad Thomsen selv, og han har, igen naturligvis, selv lagt stemme til. Christian Braad Thomsen skriver og læser nok en af de smukkeste fortællerstemmer i dansk film, en af de fire-fem, jeg kan tænke på i en sådan sammenligning. Jeg er så tryg, hver gang han åbner en af sine film med endnu en af sine fine fortællestemmer. Der sker undervejs somme tider det, at teksten svækkes, slår over i simpel humor, causerende afslapning eller anekdoter. Ja, det sker da også her, men det tilgiver jeg her, det gør jeg ikke andre steder. Det uforglemmelige afsnit med Webster retter også det op. Filmen får atter storhed.

For der er mange afsnit som det med den store musiker, der er dertil det ene fremragende interview efter det andet, monolitiske filminterviews som i Karen Blixen filmen, i Morten Korch filmen. De er en insisterende Braad Thomsen specialitet. Hvor er det godt, at han insisterer. Og fortsætter, fortsætter.

Christian Braad Thomsen: Blues for Montmartre, DK 2011, 83 min. Manuskript: Christian Braad Thomsen, fotografi: Steen Møller Rasmussen, klip: Grete Møldrup, produktion: Kollektiv Film, producer: Charlotte Vinter. Kan ses på Filmstriben.dk

Jake Auerbach: Lucian Freud Portraits

The film is made together with Freud’s biographer Willam Feaver, who voice-off introduces the method of the film up-front: We will go to the people he has portrayed to get an idea of who this genius artist is – the film was made in 2004, Freud died in 2011. And what you get as a viewer is a wonderful range of talking faces, who remember how it was to sit for Freud. And to sit for Freud was ”a hell of a commitment” as one of the models say, for hours and over a period of months or a year. ”You were never allowed to see the progress”, says another, but you were treated well by the painter while in his studio.

The models (aristocrats, publicly known characters, women, many women, his daughters (some of them...), grandchildren) talk about him and about the experience to be painted, they are given time, and you are invited to watch the paintings, also there you are given time. The paintings, the interpretations that Freud made of faces, nude bodies on a couch, or new versions of known paintings by Watteau or Cézanne. It is entertaining and you get a sense of an artist who is giving all of himself in his self-portraits. A charismatic man, dishy, as one model says, and a man who in his old age started to care about his family. A tremendous gambler, a man who could catch the ”subtle differences” in a face, as says colleague David Hockney, who sat for him as well.

Watched it on the SVT art documentary slot K-Special. Available through Amazon or hire it for 7 days via the producer, see below. An article by Feaver in Guardian is also linked.

UK, 52 mins., 2004

http://www.jakeauerbachfilms.com/lucian-freud-portraits

http://www.guardian.co.uk/artanddesign/2012/feb/02/lucian-freud-artist

Chris Hegedus og D.A. Pennebaker: Kings of Pastry

Jacquy Pfeiffer til venstre vil gerne være MOF, have ret til tricoloren i kraven ligesom vennen og kollegaen Sebastien Canonne til højre. For at få den skal han deltage i Meilleurs Ouvriers de France, en konditorprøve, som afholdes hvert fjerde år. Det fik han lyst til, da han fire år tidligere hjalp Sebastien til godkendelse, og nu er det omvendt. Jacquy har forberedt sig alle årene, og nu pudser han sammen med Sebastien formen af og lige netop det viser sig skæbnesvangert, da afgørelsen falder efter tre forrygende og voldsomt krævende prøvedage. Der er 16 kandidater til titlen og kraven, men kun omkring en tredjedel består denne gang.

Man skal selvfølgelig være dybt fascineret af avanceret konditorkunst for fuldstændigt at forstå og værdsætte denne film. Der mangler jeg en del, men jeg kan forstå og jeg kan lide Hegedus’ og Pennebakers filmkunst. De lader filmen som konstruktion vokse langsomt fra bunden, udvikle sig fuldstændigt som Jacquys bryllupskageskulptur i et langt, langt crescendo med velanbragte og meningsfulde (velsmagende) afstikkere og detaljer, små sejre og tidskrævende nederlag undervejs, herunder et frygteligt uheld som under selve prøven rammer en sympatisk medkandidat, jeg undervejs også har lært at kende. Uheldet overvindes og prøvens sidste dag slutter i højeste tempo og i højeste spænding. På toppen af filmkonstruktionen er som på kagen naturligvis selve brylluppet.

Chris Hegedus og D. A. Pennebaker: Kings of Pastry, USA 2010. Fotografi, lyd, klip og produktion: Chris Hegedus og D. A. Pennebaker. DR2 Dokumania i aftes. Tilgængelig for danskere online i denne uge på Dokumanias hjemmeside   

En anden film af amerikanske (og ikke engelske som Dokumania skriver) Pennebaker: Monterey Pop

Barak Goodman: Clinton

Barak Goodman har med sit selskab i Brooklyn, NY lavet en lang række arkiv-baserede, historieformidlende, ”i dybden”, som de selv skriver, tv-dokumentarer: Mai Lai (2010), The Assassination of Abraham Lincoln (2009), The Lobotomist (2008), Kinsey (2005) og en række flere. Jeg har ikke set nogen af dem, men kunne bestemt have lyst, bare på titlerne. Så jeg var spændt, da DR2 i aftes sendte 1. afsnit af Goodmans helt nye Clinton. Men jeg blev faktisk skuffet. OK, der var mange, mange for mig nye oplysninger, men det blev trods den trænede fortæller, Campbell Scotts troværdige stemme til pligtstof for mig, jeg kedede mig faktisk. Der er i serien ellers lagt op til et flot drama med ham og hende, Bill og Hillary, naturtalentet og den intellektuelle slider, den udadvendt folkelige og den tænksomme hjerne bag det fælles foretagende og de store ambitioner, mellem den konstant troløse mand og den atter og atter bedragne kvinde. Der blev blot ikke tid nok til i enkelte scener, i umistelige billeder at låse sådanne store temaer fast. Det er vist ikke, hvad Goodman mener med at gå i dybden, vil gå i dybden med. ("... an in-depth look at the legendary president Abraham Lincoln" står der på dvd-coveret om den film). Det må være noget andet andet, en anden slags dybde. Chokerende nye oplysninger? Også for historikerne? Måske. Der er tre timer tilbage. 2. del sendes i aften 22:50. Jeg hænger på...

2. DEL

Det var godt, jeg fortsatte. Vidnerne står nu klart frem. Og velordnet ensartede. Men der er voldsomt mange medvirkende med analyse-konklusioner, som i klippet sættes på i så voldsom forkortelse, at alle udsagn bliver postulater. Filmen interesserer sig ikke for mellemregningerne, ikke for det lange tøvende i en egentlig samtale. Den vil effektiv fremdrift i en fortælling, som skal nå så meget, som muligt.

Den holdning giver så til gengæld i her i værkets del 2 et overblik fastholdt i hovedafsnit, som jeg bagefter kan huske: Først Vince Fosters selvmord, som berørte Clintonparret dybt og ledte til den plagsomme Whitewatersag, så kampen for det første budget, som endte med sejr på en enkelt marginal, men dog en sejr, som hurtigt gav finanspolitiske resultater af betydning, men så nederlag på nederlag: Krigen i Somalia, Folkemordet i Rwanda, Sundhedsreformen frem til lavpunktet (hedder det, men det er vel som man tager det) nederlaget til republikanernes Newt Gingrich i valgene til Kongressen, hvor Demokraterne mister flertallet i Senatet, valget, som mere end valg af repræsentanter og senatorer blev til et valg for eller imod Clinton. Se det er jo for så vidt et godt overblik over en periode. Mere end pligtstof, dramatisk og spændende fortalt, faktisk. Men hvor er analysen? Den samlede forståelse og holdningen til tingene. Til nu forsvinder den i mere end 15 vidners korte statements. Campbell Scotts fortællerstemme holder sig til begivenhedernes referat, den røber ikke filmens bud på indsigt og forståelse. Sådan samlet. Jeg forstår stadigvæk ikke, hvad Goodman selv mener og hvordan han og hans film placerer sig uden for alt det, der i forvejen menes om den præsident. Hvad er det mon der tilføjes? Barak Goodman med de mange dokumentariske priser vil da andet end filme og holde mikrofon over interviewmedvirkendes hoveder? Der er to afsnit tilbage. I aften og i morgen aften. Jeg må se ordentlig efter, høre ordentlig efter.  Det kan nås for mig at finde ud af det…

3. DEL

Nå, sådan er det lavet! Goodmans egen analyse og konklusion og holdning ligger – filmisk faktisk – som en konstruktion af små dele af interviewene, som er limet sammen af den – forstår jeg også nu – omhyggelige og naturligvis velskrevne fortællerstemme. De medvirkende er ikke medvirkende som personer, som personligheder slet ikke. Man ved for alles vedkommende, at de må være fascinerende mennesker. Alle som én. Men her er de stemmer i et samlet kor, samlet i en klippets ordning i en dramatisk fortællekurve. Kun en enkelt skiller sig ud på mærkelig vis, det er Kofi Annan. (Det må jeg finde ud af senere.) Så tv-serien er ikke et udsagn, eller en række udsagn om, men et billede af Clinton og de år, han var præsident. Et pointelistisk billede, et impressionistisk billede, et langt gobelinvævet tapet. Et ordnet flimmer af brudte udsagn. Går jeg tæt på, bliver det uskarpt, går jeg på afstand, læner mig tilbage og tager fortællingen til mig, umiddelbart, vokser tv-værket til et stort epos.

Den gennemførte kronologi kaster nogle gevinster af sig i og med, at jeg jo kender hovedtrækkene i begivenhedsrækken, det er jo alt sammen sket for øjnene af mig. Det er i min tid, og det giver fortællemæssige muligheder, som Barak Goodman udnytter: Whitewater-sagen kan komme op igen og igen, den berømte unge praktikant kan introduceres - men ikke mere, jeg kender hende jo - introduceres de mærkelige dage, hvor Clinton gik alene omkring i regeringskontorerne, for personalet var sendt hjem, han havde ikke penge til lønningerne, fordi lovgivningsmagtens flertal anført af Newt Gingrich og han ikke kunne nå overens om det statslige budget. Min interesse bindes i denne vældige styrkeprøve med de mange pespektiver, som Clinton vinder så grundigt, at det fører direkte til den store sejr ved præsidentvalget i 1996, men jeg ved dog bag dette, at der jo var det der med praktikanten. Jeg ved, at præsidenten tænker på det. Ved andre det? I hvert fald ved de i filmen ikke, vidste de dengang ikke, Clinton slet ikke, at det en dag vil eksplodere – i fjerde og sidste afsnit.

Lige nu før fjerde akt er præsidenten stor og fri. Fri af ham, som opførte sig, som var han præsident, Newt Gingrich, omsider fri af Hillary Clintons medpræsident-funktion, som var uhensigtsmæssig i forhold til de andre nærmeste medarbejdere. Gingrich har regulært tabt og Hillary har klogt indset, at hun må spille på egen bane. Og Clinton viser sig handlekraftig, ikke kun indenrigspolitisk, også udenrigpolitikken tager han på sig skønt skræmt af de afrikanske katastrofer tidligere. Skønt han end ikke har lært at gøre honnør griber han som øverstkommanderende ind og sender USA sammen med NATO i krig mod Serbien og har med ét den anerkendte rolle som den vestlige verdens leder.

4. DEL

Krønikens ubarmhjertige form, den strenge kronologi indebærer således også sine egne slutninger. Og ofte slutter begivenhedsrækken ikke med et markant punktum, den glider ud i mere ens – tlsyneladende ens dage. Clinton har 700 af den slags dage tilbage i det hvide hus efter Lewinsky sagen, som fylder meget af fjerde akt, vel nok alt for meget. De 700 dage synes jeg følgelig der skulle være gjort mere ud af, for dem ved jeg på forhånd mindre eller intet om. De gør mig nysgerrig.

Det smukke arkivfoto, som sidder i toppen af dette blogindlæg, bruger Barak Goodman til fortællingen om samtalen mellem de to, mellem ham og hende, da han omsider indrømmer, at han var hende utro med den unge kvinde i regeringskontorerne. De to ser ikke på hinanden, ser ikke hinanden, de ser hver deres vej, men parallelt, på lige fod, lige stærke. Og sådan bliver det. Hun arbejder herefter på at vinde og vinder guvernørposten i New York, hun har nu sin egen karriere, sit eget liv. Han hjælper hende, men han har først og sidst sin lange afslutning, sine 700 dage.

Det betydningsladede arkivbillede, billedsiden til den afgørende scene, bliver også det centrale element i tv-seriens plakat, som fastholder tv-dokumentarens shakespearske plot omkring erotik, ambition og magt.

Barak Goodman: Clinton, USA, 2012, 4x50 min., manuskript: Barak Goodman, fotografi: Stephen McCarthy, klip: George O´Donnell og Nancy Novack, produktion: Ark Media Barak Goodman, Chris Durrance og Jamila Ephron. Sendtes på DR2 16.-19. juli 2012.  

Marcel Lozinski

The work of the Polish master of documentary (born 1940) is being very well introduced in an article by Katerina Surmanová on the website of IDF (Institute of Documentary Film). And for newcomers to the impressive filmography of Lozinski it is good to know that his films are published on a 2-set dvd box published by the Polish Film Institute – and available through Amazon as well.

At the Kracow film festival this year Marcel and his son Pawel told about their upcoming common film project, named by them as a psychological-movie experiment, a „Psycho Van” road movie. The father is quoted to have said the following:

"Father and son" (title of the film) decided to take a camper van trip to Paris, where 24 years ago in Luxemburg Gardens, Marcel Łoziński illegaly scattered his mother ashes. Both of them have a video camera, they can ask each other any question they want to. Two week trip was meant to be a remedy to „father and son” relationship. This film has the chance to become clear and universal story about hard and complicated family problems and relationships for all of us. „I needed this time (movie trip), to understand that I wasn't the father that I thought I was. It's possible that after our trip Paweł learns how to aviod mistakes I made. I feel that our story goes far beyond ourselves, it touches every family.  I think it will be a very universal movie”

Judging from the clip on the IDF site, there is something great to look forward to. Photo from Marcel Lozinski’s last film “Tonia and her Children”.

http://www.dokweb.net/en/

http://www.dokweb.net/en/doc-launch/upcoming-films/-father-and-son-4854

The Guardian: Destination Docs

The British newspaper, always strong on cinema, has launched a series of (sponsored) articles named “Destination Docs”, published in connection with the Sheffield DocFest. The headline goes like this, “Despite new documentary formats, traditional fact-based films still attract impressive audiences – and offer value for money”. The series reminds you of the constant documentary dominance in the UK of the broadcasting companies, contrary to the rest of Europe, it is good reading, even more so when the floor is given to one of the best documentarians of today, Molly Dineen:

“Bafta-winning documentary maker Molly Dineen believes Channel 4 has shown bravery in the past with its factual shows, but has a word of caution to all the broadcasters. "Channel 4 is still very cool for factual, but it needs to be stretched by the subject matter. There's a risk that all channels are suffering an unhealthy pressure for docs to become more light, sexy, cheap and overly dramatic.

"The adventure has got to be in tackling issues that need to be tackled, that could be expensive and unpopular. Filming real-life is expensive; structured reality is not," warns Dineen.

Channel 4 also risks losing out to competition from the web, she says. "There needs to be collusion between the mainstream and what young filmmakers are shooting [for the web] and their motivation." Dineen adds: "If C4 let too much of the genuine political underbelly of documentary move to the web, then they could be sunk because telly will then just be advertising and titillation, and the serious look at life will end up on the web."

Molly Dineen's documentaries will be out on dvd thanks to the British Film Institute: a three-volume collection. The first volume, out on 25 April, contains Home from the Hill, My African Farm, Heart of the Angel and In the Company of Men, her three-part examination of Welsh Guardsmen on a final tour of duty in pre-ceasefire Belfast.

http://www.guardian.co.uk/media/2012/jun/11/factuals-big-fat-viewing-figures

The Syrian revolution/ 14

Anatomy of a mass grave...
Al Houla, Homs, Syria, Earth... today, 2012..
The grave of over 100 killed today in the small town, half of which were under 10 years old.

From the FB page of Orwa Nyrabia, Dox Box festival director, Damascus, Syria

http://www.bbc.co.uk/news/world-middle-east-18224559

Helle Hansen: Ordet fanger

Det begynder med et citat af Victor Klemperer: ”Ord kan virke som bitte små doser arsenik. De sluges ubemærket, de synes ikke at have nogen virkning, men efter nogen tid viser giftens virkning sig alligevel.”

Måske skulle der være gjort lidt mere rede for Klemperers metode og teori, være diskuteret, hvordan han gennemførte sin undersøgelse af intolerancens skrevne sprog i 1930-erne, at mediet dengang var aviser og bøger, mens Helle Hansens film tager sig på at undersøge politikernes talte sprog et halvt århundrede senere, og finder sine eksempler i tv. Det gør en forskel. Der er en tøven, når der skrives, også når en politiker skriver, en eftertankens tøven. Og det er denne skriftens langsomhed, som gør det langt alvorligere og modbydeligere, det er jo omhyggeligt og skjult anbragte giftportioner. Det er det da næsten aldrig, når politikerne diskuterer i tv, her er fortalelser tilgivelige, troede jeg måske. Og filmen er for en stor del en montage af forbløffende politikerformuleringer netop fra ophidsede tv-debatter, hvor det ene ord tager det andet. Men Helle Hansen har imidlertid den pointe, at en stor del af sine belæg finder hun i skrevne taler, mange i Pia Kjærsgaards og Mogens Camres taler, som - skal vi sige – er de tydeligste. Og det er rystende, hvad vi genhører, hvad vi ligesom har vænnet vort øre til. De sagde det! Og de havde på forhånd skrevet det, langsomt måske, men uden tøven. Men langsomt har arsenikken virket, Villy Søvndal, viser det sig, er angrebet, og jeg tænker, at vi alle må undersøge vort sprog for forgiftede ord.

I begyndelsen af filmen er der en smuk fortællerstemme, Helle Hansens egen, som i et yderst velskrevet og venligt dansk begynder en reflekteret fortælling om den fremmedfjendske sprogbrug i de danske politikeres debat de seneste 25 år. Den stemme er en tryghed tænkte jeg, jeg kan godt lide fortællerstemmer i film, og den kunne fint have fortsat og uddybet det essay, som Anders Villadsens filmiske citatmontage etablerer. Men stemmen bliver væk, man har måske været bange for, at fremstillingen skulle blive litterær. Jeg synes det er ærgerligt, det var lige på nippet til at blive en klog, litterær og eftertænksom film, men det skulle altså være en såkaldt debatfilm, eller som det hedder i folkeoplysningen, debatskabende, og filminstituttet har da også som led i færdiggørelsen udarbejdet et undervisningsmateriale til Ordet fanger. Godt nok, den har altså været tænkt som skolefilm, er lavet som skolefilm, så kan den ikke samtidig være filmessay på højt plan. Eller kunne den ikke? Helle Hansens fortællerstemme lover det til at begynde med ret overbevisende, men holder det ligesom ikke.

Helle Hansen: Ordet fanger, Danmark 2012, 38 min. Manuskript: Helle Hansen, foto: Henrik Bohn Ipsen, klip: Anders Villadsen, producer: Søren Steen Jespersen, produktion: Monday Reporter og Bastard Film for DR2, distribution: DR2 og filmstriben.dk samt dvd-salg. Filmografi, Helle Hansen: Børn under jorden, 1977, Børnehuset 1997, BZ, 2006. Medvirkende i Dola Bonfils’ Billeder til tiden, 1994.

DOX for Short Docs

The Summer 2012 issue of the European Documentary Film Magazine DOX (number 94!) is out. The editor-in-chief Truls Lie uses his editorial to point at the values of the short documentary, which is forgotten by many. His starting point is his position as a juror at ZagrebDox, where the first prize was given to the Polish 7 minutes long “Returns” (photo) by Krzysztof Kadlubowski. In the same competition category with films with a duration around and over an hour. A good decision and a fine way of pointing at a film genre that was born with the Lumière Brothers and had its prime period when short films were screened in cinemas before the feature film. All big names in film history have made short films and many also short documentaries – Alain Resnais, Luis Bunuel, Antonioni etc. – not to mention the stars of the genre itself like Richard Leacock, Johan van der Keuken, Wolf Koenig and Roman Kroitor, Colin Low etc.

Today you can watch short documentaries in festivals, many of them are excellent works from film schools, and in very few tv stations. The latter is very difficult to understand as the short film has an immediate appeal to a young audience, which is the target of the public broadcasters, who complain that the average audience is 50+ or 60+. Is it too optimistic to believe that the commitment that the most innovative broadcasters make to include short films in their repertoire (like POV, arte) could spread to others for online distribution? The Latvian 15YoungByYoung, that includes 15 short documentaries from the former Soviet republics, as well as the upcoming series of shorts to be produced by the Why Poverty initiative are just two examples of subject orientated “packages” of short films, where also a creative element is sought.

Back to the editor and his editorial in DOX, where Truls Lie expresses his fatigue of long films – 8 out of 10 feature-length could be shorter, less than an hour, he states… well, maybe that is a bit exagerrated, of course it is, and less than an hour means tv-duration, 52-58 mins. Which for me is the most stupid decision on duration taken by the broadcasting companies, dictated solely by schedule thinking. Anyway, DOX deserves praise for this approach that also means that the buyers and subscribers receive a dvd with the magazine, this time with 7 short documentaries chosen by the editor. Bravo! In the magazine there are two articles about short documentaries, so yes, DOX is an edited magazine. Next time, to tease the editor a bit, the list in the back of “noteworthy film” could maybe also include shorts. This time there is more than 30 feature length documentaries mentioned.

http://whypoverty.net/

http://www.15youngbyyoung.com/

www.edn.dk

Humphrey Jennings: Listen to Britain

It is still pure pleasure to watch the 17 minutes long short masterly montaged documentary masterpiece by British Jennings, the first of his war-time trilogy. And bravo for the BFI (British Film Institute) for publishing the film, and other films by the director in a double dvd, where the second comes out the 23rd of April.

And also bravo for the Guardian that often brings knowledge about film historical issues to the knowledge of its readers. This is what they wrote as intro to the small clip from the film:

Humphrey Jennings's work for the Crown Film Unit in the 1940s gives us a fascinating insight into Britain during wartime. Here, in a clip from his 1942 short film Listen to Britain, we get a glimpse of his talent for picking out the details in the lives of ordinary people that was acclaimed by the likes of Lindsay Anderson and Kevin Macdonald.

http://www.guardian.co.uk/film

http://filmstore.bfi.org.uk/acatalog/info_20521.html

Dokumentarer til Salg

In Danish language as this is about primarily Danish documentaries that are sold through the online shop of the daily newspaper Information.

Vi hører det tit på redaktionen: Åh, men hvor kan man få fat i alle de film, som I skriver om. Svaret er enkelt, søg på nettet, gå til amazon, gå til de mange fremragende vod (video on demand) udbydere, som der er, bestil hos de internationale distributører eller gå ned i videobutikken og bestil, der er flere og flere dokumentarfilm på hykderne. Jo, man skal gøre noget selv for at fat på kvalitet.

Det er ikke svært, hvis I vil have fat i danske dokumentarer, ihvertfald af nyere dato. Mange produktionsselskaber sælger selv deres film, Cinematekets boghandel i København har en fin hjemmeside, hvorfra der kan bestilles, og så er der jo filmstriben, der samarbejder med lokale biblioteker.

Men for at gøre en lang historie kort: Nu har dagbladet Information endelig oppet sig og fået udvidet sit sortiment. 40 gode dokumentarfilm er nu til at bestille, de fleste danske med Anne Wivels smukke Svend som flagskibet, men også med Ada Søbys visuelle essay Naked of Saint Petersburg, Max Kestners roste Drømme i København (foto), Janus Metz dobbelte Fra Thailand til Thy/Fra Thy til Thailand, Vibe Mogensens gribende Min Fars Sind, som blev klippet af Nanna Frank Møller, hvis egen Someone Like You også kan købes.

”Læg i kurven”, hedder det på internet’sk, og så kunne man jo også lige tage Leonard Cohen: I’m Your Man med, 49 kroner!

http://ishop.information.dk/dokumentarfilm-2/

Farewell Comrades! TV, WebDoc, Book

Twenty years ago. The fall of the empire, USSR and the communist regimes in the East bloc. Time to look back. And time to use different media to approach the huge overall theme from many angles and with many eye-witnesses involved. Produced by the companies, German Gebrüder Beetz Filmproduktion and French Artline Productions, what was launched yesterday is ”a multimedia event” with a tv-series of 6 x 52 mins., a webformat (also called webdoc) and a book. The book has been out since September 2011, the tv-series will be broadcast January 24, 31 and February 7 (2 parts each evening) on arte and be published on dvd by February 8, by arte that is the main financial locomotive of this big production.

The site is there now and I have used some hours this morning to enjoy it. The build-up is very simple: 30 postcards lead to 30 people born in the USSR or in former East Bloc countries like GDR, Poland, Romania, Czekoslovakia and Hungary. For each person there is a small 3-5 minutes long film based on interviews and archive material with reference to topics that can be studied with more text and sometimes with more archive material. 22 topics are covered like sports, youth, resistance, dictatorship, love, youth etc. There are photos of the 30 protagonists who cover a wide range of backgrounds, not only geographically but also socially. There are an Olympic champion, a zoo keeper, an engineer, a school teacher, a couple of journalists, a counter-intelligence officer, a choir member etc. You can choose language when you surf on the site: English, French, German, Hungarian and Norwegian! The short films are subtitled, no dubbing, thanks for that. It is quite a pleasant, interactive is the word for it, experience to visit this site, take it in bites, and use it in schools for the new generations. It is, as said in the promotion material ”stories from throughout the countries of the former Soviet Union about friendship, passion, rebellion and beliefs, offering unique insight into day-to-day life beyond the Iron Curtain and the dynamic behind the collapse.” Well-done and well conveyed information, anecdotes and personal it is, sometimes fun, sometimes tough to hear and see.

The book: ”was published by C.H. Beck in September 2011.The famous historian and writer György Dalos covers in six chapters the major events of the communist system in Europe between 1975 and 1991 and gives inside view into the everyday-life behind the Iron Curtain.”

The TV-series: that is linked to the book mentioned, has been directed by well-known Russian director Andrei Nekrasov, who has made films on

Miguel Goncalves Mendes: José e Pilar

Jeg glædede mig vildt til at se den film, og jeg må skrive lige med det samme: Det gik ikke så godt. Måske godt nok, faktisk fint i begyndelsen, men så blev jeg efterhånden tøvende til det afvisende, selv om der er fine steder i filmen, også senere, ja, hele vejen igennem.

Jeg ser ikke filmen som de anmeldere jeg har læst. Rettere, jeg så ikke filmen sådan. Jeg bliver nødt til at se den igen. I hvert fald. For Saramagos skyld, han svigter ikke. For Pilar del Rios, hun er meget til stede, autentisk på sin helt modsatte måde. Saramago underspiller. Klart. Jeg skriver ikke, at hun overspiller. Jeg må især se den for Mendes’ skyld. Hvad er det han gør galt? (Hvis da noget er galt..) Jeg må for min egen skyld finde ud af, om det bare er noget med mig. (Det kan det sagtens være..) Og Tue Steen Müller for eksempel synes filmen er vidunderlig.

Saramago siger et vigtigt sted: ”Jeg har ideer til romaner og Pilar har ideer til liv.” Mendes kan have haft til hensigt at bygge sin film på denne dobbelthed. Imidlertid er en tofløjet tavle en vanskelig konstruktion. Der er det med balancen, element for element over midtaksen. Og vi kommer ikke meget ind i forfatterværkstedet, vi kommer meget ud på rejser, deltager i endeløse receptioner, står i lange køer for at få signaturen, lytter på forelæsninger af den slags, at selv vedkommende tilhørere som Gabriel Garcia Marquez og José Saramago må kæmpe med søvnigheden.

Er livet mere levende end en roman? Fernando Pessoa ville svare: ”Hvis nogen skulle komme og fortælle mig, at det er absurd at tale sådan om en, der aldrig har eksisteret, vil jeg svare, at jeg heller ikke har beviser for at Lissabon nogensinde har eksisteret, eller at jeg som skriver har, eller for den sags skyld noget som helst andet.” Han talte vist om sit heteronym Ricardo Reis, som var opfundet så levende, at Saramago senere måtte lade ham dø inde i en romans virkelighed.

Jeg vil se den film igen. Ikke som et litterært, filosofisk værk, heller ikke som en journalistisk reportage. Nej, som den kærlighedshistorie, den vist først og sidst vil være, som det still, jeg har valgt, viser.

William Karel: Looking for Nicolas Sarkozy

A couple of days after the death of Vaclav Havel, you sit down and watch a documentary on the French president Nicolas Sarkozy - what a quality step down - set up through a mix of archive material and comments from foreign correspondents, who have followed the president from his entrance to power in May 2007. Commentators from leading English and German newspapers and magazines, as well as tv people from a handful of countries. Quite a good spread with more or less analytical remarks, practically speaking all of them pretty negative. Well in the beginning everyone was expecting a new, much more energetic period after dead years with Chirac, but quickly it was clear that Sarkozy was not ready for the job, to say the least. He comes out as a total fool in this documentary, ”in the beginning he was like a ten year old boy”, one says in the film that is chronologically structured and involves a lot of anecdotes about the performance of the president. And not much more, as he has never really invited the foreign press to have longer interviews with him – visions for France, he does not have.

But he has the ability to control the media in his country, he has the power to push himself into the spotlight leaving his ministers as tools for the promotion of himself. Of course the private life is commented. His dependency on the advice of his Cecilia (”sans Cecilia il était totalement perdu”), who left him – and his quick change to Carla, and now the baby, cleverly used in public relations purpose. OK, he gets praise for his role in the Russian-Georgian conflict, for his role in dealing with the European financial crisis, but otherwise the film is full of the correspondents talking about his coming late to the Vatican, using his cell phone during the meeting with the Pope, the catastrophical insults to Africa, the idea of sending help to Ben Ali when the revolution in Tunisia had started, his disastrous and cynical move towards the romas, his relationship to Angela Merkel (remember the photo of the two on the beach and the comment ”how deep is their love”), his jealousy towards Barack Obama etc. At the end of the film the correspondents revela that Sarkozy, through his campaigners, now is trying to build up a new image as a more calm and intellectual statesman, who watch Robert Bresson and Carl Th. Dreyer in the evenings!

In the documentary genre of films about state leaders the film of Karel can not compete with the films we have available on Kennedy, Clinton and Havel. It is a tv product, formatted, fun to watch and of course you ask yourself – did we get close to the man, no, not at all, and what is it that the French like about him? Will there be a film about that? This is more of a comedy, but his flirt with the voters of Front National is not fun at all, will there be a film about that?  

France, 2011, 77 mins.

The film is available on dvd, in France  you can buy it in one of the fnac shops or you can order it via Amazon. This review is based on the broadcast on arte, wednesday december 21, 2011.

http://videos.arte.tv/fr/videos/looking_for_nicolas_sarkozy-6273024.html

Vinylmania – They Made It!

Filmkommentaren.dk has followed the ”kickstarter V for Vinylmania” initiative, where Turin-based film company Stefilm called for help through a crowdfunding campaign and succeeded to collect $37.173 from 395 backers. The money will be used to make an international version by clearing the necessary music rights.

The film will have its national premiere on sunday, November 20th in Rome. This is what the film is about, according to the makers:

A trip into the grooves, Vinylmania is a 75 minute feature length documentary about an object that has never lost its soul: the vinyl record. An epic love story, the film is filled with fascinating characters and internationally recognized artists including PHILIPPE COHEN SOLAL (Gotan Project), WINSTON SMITH (Dead Kennedys, Green Day record sleeve artist), PETER SAVILLE (Joy Division, New Order record sleeve artist) and DJ KENTARO (2002 DMC World DJ Champion).
 Devotion, ecstasy, infatuation, agony – all feelings that the director of the film, Paolo Campana, has experienced from childhood and shares with like-minded record collectors, Djs, musicians and artists (the said vinylmaniacs) in the documentary. Set in 11 different cities worldwide, the director sets out on a global road trip to find out what role vinyl records play in the 21st century!

http://www.vinylmaniafilm.com/

Targeting: Bin Laden

Jeg har det med filmen, som jeg har det med ordet drejebog, som jo betyder to ting på dansk. Naturligvis er en drejebog en plan for en film, men det er i nutidssprog også en plan for en hvilken som helst anden kompliceret handling eller aktion. Targeting: Bin Laden vil som film overbevise mig om, at dens manuskript simpelthen er CIA’s og admiralens manuskript for ”Red Teams” opsporing og likvidering af Osama Bin Laden. Og det lykkedes i første omgang. Jeg iagttog det tvivlende til vantro: er dette direct cinema, er dette optagelser fra kameraer i The Navy’s SEAL Teams hjelme, er det Bin Laden, der står der øverst på trappen i nattøj? Og som filmen skred frem accepterede jeg det hele. Den er faktisk ret spændende. Som underholdning er den temmelig spændende. Og jeg var jo underholdt. Og forført.

Men så kommer eftertanken. Ét er at jeg faktisk godt kan lide historiske rekonstruktioner, som BBC underholdning for eksempel, noget andet er, at jeg da plejer at efterlyse eftertanke og tvivl og tøven i ægte dokumentariske historiske rekonstruktioner. Nå, der er da alle tre elementer i Targeting: Bin Laden. Men de er vel at mærke omhyggeligt anbragt inden i filmens selvforståelse af at være selve denne komplicerede og farefulde operation ind i et Pakistan med forstår man ikke-informerede myndigheder. De er præsidentens og hans mænds eftertanke, tvivl og tøven med hensyn til de rent militære og tekniske risici, naturligt placeret som plotpunkter. Og der er kun dette ene lag i filmen.

Eftertanken, tvivlen og tankens langsomhed hører hjemme i en anden slags dokumentarfilm, disse film med fortællevinklen anbragt et sikkert sted i nærheden af autor og lagt ned i værket som en voksende uro af noget, som blander sig udefra, måske fra tilskuerens sind, her kunne det være moralske og juridiske overvejelser, der, som det er tilfældet sker i  Morris’ The Fog of War, lyttes frem af McNamara i den berømte spejlkonstruktion. I The History Channels værk er det naturligvis slet ikke sådan. Det er selvfølgelig en omhyggeligt efterrationaliseret og dramatiseret påstand om, at de to drejebøger, admiralens og historiekanalens er konkruente. Det her er selvfølgelig en propagandafilm. En rigtig veldrejet en af slagsen.

The History Channel: Targeting: Bin Laden. USA 2011, 88 min. Sendt i DR2 Dokumania (Operation bin Laden – minut for minut) på hvis hjemmeside den kan ses nogen tid endnu. Filmen kan købes på Amazon og streames elller downloades mange steder på nettet. Den historiske operation, hvis internationale lovlighed er anfægtet fra mange sider, får et udfoldet og interessant forsvar i en kort juridisk opsats af to lærere ved amerikanske militærakademier, Shane Reeves og Jerymy Marsch: ”Bin Laden and Awlaki: Lawful Targets”, i Harvard International Review 26. oktober 2011.

Vinylmania – Support the Campaign

Help, there is only 7 days to go to reach our goal. These are the words from filmmaker Paolo Campana in Turin, Italy. It is all or nothing, he says, as it is with the crowdfunding done through Kickstarter. I have known Paolo and his project for years, I have always followed what Stefilm (Stefano Tealdi, Edoardo Fracchia and Elena Filippini) have done – in this case a fine film about a phenomenon that goes worldwide...

Below you will find more info about the film, trailer, clips and what your donation will be used for, and a link to kickstarter:

A trip into the grooves, Vinylmania is a 75 minute feature length documentary about an object that has never lost its soul: the vinyl record. An epic love story, the film is filled with fascinating characters and internationally recognized artists including PHILIPPE COHEN SOLAL (Gotan Project), WINSTON SMITH (Dead Kennedys, Green Day record sleeve artist), PETER SAVILLE (Joy Division, New Order record sleeve artist) and DJ KENTARO (2002 DMC World DJ Champion).  

Devotion, ecstasy, infatuation, agony – all feelings that the director of the film, Paolo Campana, has experienced from childhood and shares with like-minded record collectors, Djs, musicians and artists (the said vinylmaniacs) in the documentary. Set in 11 different cities and 7 countries worldwide, the director sets out on a global road trip to find out what role vinyl records play in the 21st century.

How will your donations be used? The money you give us will fund: Clearance rights of the music for dvd worldwide release - A voice over artist and studio to mix an English language narration track (currently in Italian by the director himself) - Creation and editing of the bonus materials- Creation of a dvd graphic, case and booklet - A 5.1 surround sound version - Licensing costs

http://www.vinylmaniafilm.com/

link to kickstarter.com

Chinese Films on Docalliance

It is a pleasure – again – to be able to promote the quality vod Docalliance. Not only is the selection of films for the catalogue excellent, the prices are very low and the texts are free from normal site publicity language, it conveys information and treats the reader with respect. Read this:

Some are enthusiastic about China, some are rather fearful; only a few ignore China; yet only a few know the real China of today. China is more than nationalism, economy and human rights though; China is primarily its people. These, however, are left in the background, under the cover of the official media image created by state propaganda and western media. It is the concrete people’s stories rather than the collective mass of a nation that are in the focus of the three Chinese directors and their films. Out of the three, London-based Chinese writer and director Xiaolu Guo is the closest to the West. Her books are translated into English; her fiction film She, a Chinese (both written and directed by her) won the Grand Prize at the 2009 Locarno festival. It was in the pauses during shooting of this film that her documentary film Once upon a Proletarian was made. According to the director’s words, the documentary mosaic of present-day post-Marxist China was inspired by the encounter with onlookers following the filmmakers‘ work. In twelve chapters, the life stories of the protagonists carefully selected across social classes unwind in a compressed yet expressive way. Not lacking poetry and humour either, the film ends by the symbolical wish of a young student of painting: “Life in freedom is a happy life!” As for other films by Xialu Guo available at

Polish Doc Film History

The Polish Film Institute runs an honorable dvd publlishing policy. Previously I have reported on very good director boxes with films by Kieslowski, Karabasz, Marcel Lozinski, Pawel Lozinski – and now, here in Krakow, at the hall of the Kino Kijow, I supplemented the collection by buying boxes with films by Wladimir Slesicki, Marek Piwowski and Maciej Drygas. His ”Hear my Cry” (photo) is on the box, a masterpiece from 1991, the title referring to the spectacular manifestation of a man, who set fire to himself in 1968 as a demonstration against the Warsaw countries invading Czekoslovakia.

All films in the boxes are with subtitles in English, French, Russian and German.

http://www.pisf.pl/en/

National Film Board of Canada in a Digital Age

It was a scoop that DFI (Danish Film Institute) had invited James Roberts, assistant director general from National Film Board of Canada (NFB), to come to the Danish DOK-dag (Documentary Day, see more below) to talk about the online film distribution policy of the 72 year old public film institution, set up by visionary politicians and the one and only Scotsman John Grierson, who saw before anyone else what role film could play in education and information in a democratic society.

A scoop, because Roberts very clearly and enormously inspiring could explain, how the NFB had implemented a strategy paper from 2008 into a very generous offer – more than 2000 films for free for individuals, online, and not only for Canadians, see below what to do, and a subscription system for the schools and institutions, still – in the spirit of Grierson – the major client of the NFB. ”Start Watching” was the headline of the plan and 10 million views have been done so far. 400 people are employed at the NFB that has offices all over Canada and is very up-beat when it comes to the use of new media. 15% of the production of the NFB is channelled into interactive documentaries. (I will write about one of the award-winners later, titled  ”Highrise”).

The website of the NFB is exemplary for how to make it easy to navigate for the users – to find the necessary film historical titles and watch a trailer or a full film. Or to see where films are screened in Canadian cities, or how to

NFB: Watch Hundreds of Films Online

I have been surfing around on the site of NFB for an hour now. I have seen some trailers, I have seen clips from some of the films that I remember from a long festival life, and from the imports that was done when I was employed at the National Film Board of Denmark (Statens Filmcentral). Yes, down memory lane, but also down film history lane when you think about the excellent films that has come from the Canadian sister organisation: animation films by Caroline Leaf and the master himself Norman McLaren (photo), documentary films by Colin Low and direct cinema pioneers Roman Kroitor, Wolf Koenig and Michel Brault. At least a hundred NFB films were offered the Danish audience on 16mm, and if with dialogue and commentary, with Danish subtitles or in a Danish version. And from today “RIP” and “Up the Yangtze”, just to mention a couple that is available online by a click from your home computer in Denmark. Much easier than your home access to the Danish documentary history! Go Canadian, DFI, Danish Film Institute, and learn from them how to advertise. At the NFB site, for all titles, both those you can watch online and for those where only a trailer is watchable – there is information about where to buy a dvd or where to download with prices etc. Pure pleasure for one, who was educated librarian maaany decades ago. But start here:

Create your NFB profile today.Enjoy documentaries, animations, alternative dramas and interactive productions on the web, on your personalized home page, or on your iPhone. Don't forget to check out our trailers, playlists and upcoming online releases. Free for personal use and on a subscription basis for schools and institutions.

www.nfb.ca

Lozinski: Father and Son

I met Pawel Lozinski at DocsBarcelona, I have known him for many years, appreciating the films he has made (in Barcelona was shown "Sisters" and "Chemo"). He told me about the film project he and his father, Marcel, is working on. Do I need to write that Marcel Lozinski is one of the masters of documentary cinema, with - for me at least and many others, I am sure - "Anything Can Happen" as the crown jewel in his production. Among many other works. The Polish Film Institute has published dvd boxes of the works of father and son - with English subtitles. But back to the film project, maybe to be edited and finished this year. Here is a description, written by Pawel:

My father and I get into an old camper and head for Paris where, 23 years ago, he dispersed his mother’s ashes in the Luxembourg Garden. Our trip will take two weeks. We’re both documentary filmmakers so we’ve decided to make a film recording the journey. We stop at camper parks or gas stations for the night. We each have a camera to keep the conditions fair and so we’re both the directors and protagonists at the same time. My father is 70, I am 44. We discuss various things - family history, difficult past, my father’s divorces. Any question is allowed. The journey is a pretext to get to know each other a little better. A cinematic-psychological experiment about the father-son relationship. Once in the editing room, will we be able to create a single version that would be acceptable to both?

http://www.filmneweurope.com/

http://www.pisf.pl/en/about/structure  (ask here about where to get the dvd-boxes)

Peter Greenaway: The Baby of Mâcon

Jeg sad i aftes foran tv-apparatet og så en dvd med Greenaways The Baby of Mâcon, og filmen tumler omkring i mig endnu, vil ikke slippe. Så klog til det lærde, så voldsom til det vilde, så smuk til det åndeløse, så grusom til det forfærdende. Og netop der distancen: det er skuespillere som fremstiller deres frygteligste side. Plus fremstiller deres åndeløst smukke og deres vildt voldsomme side. Plus fremsiger den mest kloge lærdom, vist nok af og til i shakespeareske blankvers. Og så nu her i aften indser jeg sidst af alle filmens tilskuere gennem 18 år, at Greenaway dengang i 1993 ved brechtske greb lavede en dokumentarfilm om et hold skuespillere og hundreder statister i gang med på deres teater at holde generalprøve (er det måske) på et stykke skrevet som en alternativ julenatsmesse med frygtindgydende følger i en stor kirke i 1700-tallets Mâcon. Så er det på plads. Men nu tænker jeg så kun på, hvad der egentlig er (var) karismatiske Julie Ormonds projekt, dette eksistensens ultimative? Og hvad var Greenaways bag glæden ved barokkens udfoldelser i arkitektur, maleri og musik? Plus altså Shakespeare, som var så forud? Der er samlingerne til ham og os andre. Jeg har rent praktisk blot benyttet mig af mit biblioteks og bibliotek.dk’s generøse tilbud om at låne mig mig dvd-kopier af mange, mange af Peter Greenaways film. Så jeg kan indhente lidt af alt det, jeg ikke nåede at opfatte dengang tiden var deres. Nu må jeg finde ud af: hvad var det egentlig hun ville? Og hvor omfattende er Greenaways værk? Rækker det langt ind i det, vi omgærder og kalder dokumentarisme?

Link til søgningen på bibliotek.dk

POV: Cakes, Ellsberg and A World in Conflict

POV means Point of View and is the name of ” American television’s longest-running independent documentary series”, part of the PBS in the US and led by executive producer Simon Kilmurry, who is a frequent visitor to documentary events all over. From him a press release was sent to filmkommentaren.dk – here is an excerpt that gives you the idea that the American audience can watch high quality, creative documentaries. If you want to know more about POV, go to the website, that has trailers, background articles, a blog etc.:

The new season in June kicks off with Kings of Pastry. D A Pennebaker and Chris Hegedus' behind-the-scenes account of France's greatest pastry competition, an epic, a three-day test of passion, perseverance, artistry amd nerves. In advance of the new season, on June 7, POV will present a special encore broadcast of the Oscar nominated film The Most Dangerous Man in America, in honor of the 40th anniversary of Daniel Ellsberg's release of the Pentagon Papers, an event that changed the course of the Vietnam War and world history. POV airs on PBS on Tuesdays at 10 pm...

US Documentary Channel

Wish we had a documentary channel in Europe! We do not. The Americans have: The Documentary Channel, that also offers a very valauable newsletter that advertises the broadcasts of the channel AND a so-called Docstore, where films can be bought or downloaded.

Coming soon is a series of Robert Drew documentaries, including the classics ”Primary”, ”The Chair” and ”Crisis” (these films can also be bought in Europe, of course). In clips Drew gives anecdotes about the shooting of these and other films in his retrospective. Entertaining and informative doc film history.

http://www.documentarychannel.com/

The Runner

Here are words about a film project that I have been following for a couple of years. It is in production and will be a good film, I can assure you from what I have seen so far. The producers have introduced the so-called crowd funding and have collected around 3.500$. Here is a text from the site:

The Runner is the latest feature documentary from the award-winning filmmaker Saeed Taji Farouky and the team at Tourist With A Typewriter. It is intended as an 80 minute theatrical release, with a 52 minute television edit, and will premiere in time for the London 2012 Olympics.

The Runner is a film about the limits of our endurance. It tells the story of a champion long-distance runner who - in one dramatic moment - became the symbol of a national liberation movement. Salah Ameidan is a man willing to risk his career, his family, his nationality and his life to run for a country that doesn't exist: Western Sahara, officially the last colony in Africa. Virtually unknown on the world stage, Western Sahara is an area larger than the United Kingdom and has been under Moroccan occupation since 1975.

As a talented young athlete, Salah was forced to compete for Morocco, the country occupying his homeland, since the age of 14. During that time, he and his family suffered harassment, detention, arrest and torture at the hands of Moroccan police. One day in 2003, during a race in France, he made a bold

Yael Hersonski: A Film Unfinished

Fra Tue Steen Müllers private videotek: Arkivmaterialets alvor, en dokumentarisk rekonstruktion som filmisk elegi.

En gammel mand sad for længe siden i en mørk biograf i Berlin og så Berlin, Sinfonie einer Grossstadt. Skribenten, som fortæller historien, sad i nærheden, ja, det var Niels Jensen, og Jensen hørte ham mumle for sig selv: ”Anhalter Bahnhof, Anhalter Bahnhof…” op mod de stumme sort/hvide scener. Det kom fra en dyb smerte, tabet var stort. Udenfor var nu "kun brudstykket af en portal, murbrokker og græs tilbage.”

Jeg så for lidt siden omsider Yael Hersonskis berømte, Sundance-vindende film og kom til at tænke på det citat, denne korte replik, som blev ved med at gentage sig i mig, som en melodilinje, der ikke vil forsvinde. Jeg så nu disse nutidige mennesker, som var børn dengang, sidde i en moderne biograf og 65 år senere se optagelser fra Warszawas jødiske ghetto, hviske og udbryde og direkte sige sådanne ting til boomstangens mikrofon: ”Måske kommer min mor om lidt gående der på gaden…” Det er dyb smerte, tabet er værre end forfærdende, moderen blev vel kort tid efter dræbt i Treblinka som tusinde flere.

Oplevelsen i biografsalen er uafrystelig, at se ansigtet som ser. Som Anna Karinas ansigt, når hun i en mørk biograf i Paris ser Jeanne d’Arcs lidelse og død. Lidelse og død.

Jeg ved godt, at Yael Hersonskis hovedanliggende er en detektivisk kortlægning af den tyske besættelsesmagts manipulering af dokumentarfilmen. Filmen var i sin begyndelse i 1942 tænkt som propaganda. De indespærrede i ghettoen levede iscenesat en times tid som forkælede bedsteborgere. Som nu herren, som sidder og læser ved chatollet. Men så blev der i arkivet fundet en glemt filmrulle med fraklippet. Der blev fundet to dagbøger, som fortalte om optagelserne, om de tyske dokumentarfolks arrangeren alting. Den læsende herre er altså tvunget til at sidde der i ro, og det er, hvad han har tilbage, disse tre møbler, bag kameraet er stuen fyldt med resten af hans familie. I soveværelset bor en anden familie, i de andre værelser andre, én familie i hvert rum. Fraklippene på den nyfundne rulle viste kamerafolk gå ind i hinandens scener, sådant måtte jo ud. Og det måtte den åbenlyse nød, sult, brutalitet, vold og død også. Nu er det hele omhyggeligt på plads i Hersonskis uafviselige og umistelige værk. Omsider sidder jeg foran arkivmaterialets alvor: Warszawa, Warszawa..

Yael Hersonski: A Film Unfinished, Israel 2008. Tue Steen Müller har tidligere kort omtalt filmen set på Memorimage festivalen i Reus.

Eyal Sivan: Jaffa, The Orange´s Clockwork

Fra Tue Steen Müllers private videotek: et topografisk og historisk essay. Min blogkollega har generøst og givet mig eksklusivt indblik i sin blandt kendere så berømte private dvd-samling. Jeg må kvittere med et par bemærkninger om mine oplevelser af disse film, som er at se på festivaler for tiden. Så vidt jeg kan finde ud af det, vil jeg skrive, hvor filmene kan  erhverves.

Jeg ved godt, at Sivans film handler om den israelsk-palæstinensiske konflikt, at filmen delvist allegorisk er en politisk analyse. Det lod jeg ligge, da jeg så den. Jeg var med det samme og hele vejen igennem kun optaget af et overdådigt topografisk arkivmateriale, som i de smukkeste billeder skildrer en vidunderlig middelhavsby og dens opland af appelsinlunde helt tilbage fra fotografiets opfindelse i midten af 1800-tallet, fra begyndelsen af 1900-tallet selvfølgelig suppleret med filmoptagelser af samme intense skønhed. Jeg så dette lag af Sivans film som ét langt stilleben eller måske snarere et nature morte koncentreret om et vemod, som to andre lag forholder sig nutidigt levende til. Et med medvirkende intellektuelle, som besøges i deres arbejdsværelser, hvor billederne projiceres og disse udsøgt forstandige mennesker kommenterer, hvad de ser. Blot dette at være hos dem i deres rum af bogreolers, maleriers og skulpturers trygge uforgængelighed af indsigt. Og endelig et dokumentarisk lag af nye optagelser i varme farver hos kloge, besindige bønder ude blandt de tusinder appelsintræer omkring Jaffa.

Eyal Sivan: Jaffa, The Orange´s Clockwork, Israel 2009, 86 min. Tue Steen Müller har tidligere kort omtalt filmen set på Memorimage festivalen i Reus. DVD-kopi kan købes hos Eyal Sivan selv. Producent er Alma Films.  

Jørgen Leth og Per Kirkeby: Dyrehaven...

Vi fortsætter næste uge samtalen om Per Kirkeby, nu i Mandagshøjskolen i FOF-Randers. Vi skal naturligvis igen se Pernille Bech Christensens Pers Metode (2008), men lige netop med den medvirkende vil det være naturligt og vigtigt at huske på hans næsten glemte betydning for filmkunsten. I 1970 instruerede han sammen med Jørgen Leth Dyrehaven, den romantiske skov. Det er et udgangspunkt, dels fordi filmen nu er tilgængelig på dvd i Jørgen Leths bokssæt, dels på grund af en bemærkning fra dengang af Hans-Jørgen Nielsen i hans anmeldelse i Information, 18. juni 1970 under overskriften "En meget mærkelig film": "...Fotografen Henning Camre fejrer triumfer i disse dvælende farveorgier i harmonisk naturskønhed. Farvefilm har aldrig før været anvendt med en sådan artistisk følsomhed og teknisk overlegenhed i dansk filmproduktion. Men inden i og samtidig med disse banalt smukke og konventionelt romantiske  billeder er der endnu en film. En metafilm om den umiddelbare naturfilm, der holder denne frem som en ren og skær historisk skrift. Den egentlige bedrift i så henseende er Per Kirkebys. Alle filmens billeder er totalt behersket af hans særlige måde at se på. Den er et af maleren Per Kirkebys hovedværker..." Citatet er fra Anne Hejlskov Larsens Per Kirkebys malerier 1957-1977 (2002), hvor hun blandt alt det meget andet har skrevet en komplet oversigt  over Kirkebys film. Kun få af dem er umiddelbart tilgængelige, men Da myndighederne sagde stop (1972), som han instruerede sammen med Arkaluk Lynge og Asger Jorn, en film (1977) kan dog lånes på biblioteket i VHS kopi.

Pernille Bech Christensen: Pers Metode/2

Jeg tror, de var begejstrede, de entusiastiske elever på FOF's Onsdagshøjskole, hvor vi i dag så Bech Christensens film efter jeg en halv times tid havde introduceret den. Der var faktisk applaus bagefter. Klapsalven gjaldt Pernille Bech Christensen elegante klippearbejde, denne usynlige kunst, som vi som indledning havde talt om. Om omhyggeligt at afbalancere de to medvirkende med et fintmærkende instrument inde i sit nervesystem, om at følge den samme sætning, som er konstrueret af måske en begyndelse i Tøjners Louisianakontor, en fortsættelse foran billedet inde i udstillingssalen, hvor det er under ophængning og en slutning på samme sætning helt ovre i Kirkebys hus i Gentofte. En fra højskoleholdet havde mistet to busser og derefter oplægget til filmen, men den nåede hun dog, glad fra begyndelsen. Hun kunne bagefter smilende notere, at Kirkeby sandelig var hurtig til at skifte skjorte. Flere gange i samme udredning af et kompliceret forhold i et maleri...  

Jean-Luc Godard og Anne-Marie Miéville: Korte film

I FOF-Randers' filmklub skal vi i aften se de fire korte film af Jean-Luc Godard og Anne-Marie Miéville, som ECM Records for nogen tid siden udsendte på dvd indlagt i en smuk lille bog. I vores præsentation af filmene tager jeg udgangspunkt i sidste billede i sidste film, en sidevendt skikkelse med ansigtet skjult af et langt hår og bøjet tæt mod et spejl (måske?):

Slutbilledet i den sidste film i serien, den hedder Je vous salue, Sarajevo, er gådefuldt. Hvad er det for en skikkelse, hvad ser denne skikkelse? Fortælleren eller rettere essayisten siger: ”Når det er tid at lukke bogen, vil jeg ikke have flere klager. Jeg har set så mange mennesker leve så ondt, og så mange dø så godt.” Før det billede, før den scene har filmen omhyggeligt undersøgt et enkelt fotografi fra krigen, fra kampen om Sarajevo. To stående soldater (det er vist serbere, men det er lige meget her) mishandler tre liggende personer. De dækker deres hoveder med armene. Omhyggeligt undersøges fotografiet detalje for detalje. En soldat har en cigaret mellem fingrene, mens han samtidigt hæver sin fod for at sparke, sparke kvinden på jorden. Essayisten (Godards stemme) siger: ” I en vis forstand er angsten Guds datter, forløst Langfredag nat. Hun er ikke smuk, hun er spottet, forbandet og fornægtet af alle. Men få ikke galt fat på det. Hun overvåger al dødelig lidelse, hun går i forbøn for menneskeheden. For der er en regel og en undtagelse. Kulturen er reglen, kunsten er undtagelsen. Alle taler reglen: cigaret, computer, t-shirt, tv, turisme, krig. Ingen taler undtagelsen. Den er ikke talt, den er skrevet: Flaubert, Dostojevskij. Den er komponeret: Gershwin, Mozart. Den er malet: Cézanne, Vermeer. Den er filmet: Antonioni, Vigo. Eller den er levet, og så er den livets kunst: Srebrenica, Mostar, Sarajevo. Reglen er at ønske undtagelsen død. Så reglen for Kultureuropa er at organisere døden for den livets kunst, som stadig blomstrer.”

Langt inde i The Old Place, den anden film i kvartetten, kommer et høstbillede med bønder som led i den uafbrydelige strøm af lån og påmindelser fra museets sale og samlinger, som Godard og Miéville kommenterer i deres fortsatte samtale. ”JLG: Når Jean-Francois Millet maler to bønder som beder på en mark og kalder det ’Angelus’ svarer titlen til realiteten. AMM: Når Francis Picabia tegner en bolt og kalder det ’Portræt af en amerikansk pige i nøgenheden’ svarer titlen ikke længere til realiteten. JLG: ’Det er lige meget for mig’, siger Picabia. Efter Duchamp og før Warhol, fuldstændig som caféejeren, når han rækker dig dessertmenuen. Og det var den afgørende vending i malerkunsten. Den anden. Den første var da malerne besluttede at male jordiske kvinder. Det skete næsten fra begyndelsen, men det gjorde ikke Jomfru Maria noget…” Men senere blev det værre og værre og Godard fortsætter sin bekymrede replik med en overvejelse over kunstens kommercialisering. Som slet ikke er en uskyldig sag. Og filmen er en bestilling fra Museum of Modern Art i New York, som ikke får nogen éntydig analyse endsige en hyldest. Men en tankevækkende, foruroligende og måske sorgfuld omvisning i salene.

Jean-Luc Godard og Anne-Marie Miéville lever og arbejder sammen. Laver den ene film efter den anden. Dybe, personlige, radikale, internationale og særegne. Disse fire små film blev altså i 2006 yderst forbavsende gjort alment tilgængelige af Manfred Eichers ECM Records. Sidste år fulgte på Wild Side Video det store værk Film Socialisme, som Godard signerede alene. Miéville laver selvfølgelig også sine egne ting.

Jean-Luc Godard og Anne-Marie Miéville: De l'origine du XXIe siècle, The Old Place, Liberté et patrie og Je vous salue, Sarajevo, Frankrig / Schweiz 1993-2002. 16+46+21+2 min. Bog med dvd, ECM Records 2006. 

Zelig Student Films Travel

Readers will know that I teach at Zelig Documentary Film School in Bolzano. 3 of the new students, who are in their first year of study, have recently written reviews of films on this blog and I am happy to update you on the success of several of the graduation films of students who were at the school 2007-2010 and now are out in ”real life”.

Benoit Felici’s ”Unfinished Italy” go to Rome Independent Film Festival in March, to the International Short Film Festival in Barcelona in April and to Indie Lisboa in May.

"Laas-Revuca (Jahrein-Jahraus)" has been nominated for the "Women DoP Award" of Dortmund-Köln's International Women Film Festival (Germany, 12-17 april). Martin Fliri's documentary has been shot by Nina Högg on Kodak 16mm stock. Here is a short annotation of the film: "The South Tyrolean apple business is highly developed and dependent on foreign workers. Mostly male, middle-aged and from one of the new European Union countries, they work several periods throughout the year in local orchards. A documentary film about guest workers and hosts. About homesickness and wanderlust.” The film is 42 mins. long.

Finally, Georg Boch can see his ”Facebook’s ”Adorno Changed My Life”” (photo) advertised on the site of the strong American distributor Icarus Films – together with other new titles like Nicholas Geyerhalter’s ”Elsewhere”, Patricio Guzman’s ”Nostalgia for the Light”, not to forget the classic masterpiece of Marcelæ Ophüls: ”Hotel Terminus”! Not bad for a beginner!

http://www.zeligfilm.it/

http://icarusfilms.com

http://www.unfinished-italy.com/

Yoav Shamir: Defamation/3

Claus Christensen, redaktør på EKKO skriver i en mailmeddelelse i dag: ”Den kritiske film om fænomenet ”antisemitisme”, som DR2 har tøvet med at vise i snart to år, følger gratis med det nye nummer af Ekko.
Er ”antisemitisme” en reel trussel i dag? Eller er det snarere et skræmmeværktøj for israelske høge? De provokerende spørgsmål tager den israelske instruktør Yoav Shamir rundt i verden for at finde svar på i Defamation (”ærekrænkelse”). Han møder den jødisk-amerikanske lobbyorganisation Anti-Defamation League, men også Norman Finkelstein, der har skrevet bøger om den såkaldte holocaust-industri. ”For jøder er antisemitisme den ultimative hellige ko, og jeg har gerne villet, ikke slagte koen, men ruske den,” siger Yoav Shamir.
 
Filmen er co-produceret af SF Film Production ved Karoline Leth og har flere danskere på produktionsholdet. Det Danske Filminstitut og DR2 har bidraget med tilsammen 600.000 kr. Alligevel har DR2 i snart to år tøvet med at vise den. Mistanken melder sig, at det er filmens sarkastiske tilgang til antisemitisme, som har fået DR2 til at henlægge filmen. DR2’s chef Arne Notkin, der er tidligere formand for Dansk Zionistforbund og medlem af Det Mosaiske Troessamfund, har gennem de sidste to år givet plads til 45 timers dokumentarudsendelser med positivt fokus på Israel og jødisk historie.
 
Da Ekko for nylig stillede spørgsmål til henlæggelsen, udtalte Arne Notkin, at Ekko ”skriver sig ind i en antisemitisk myte om, at der sidder sådan en mediejøde og bestemmer, hvad folk må se og ikke se”. Ekko ser det som et spørgsmål om ytringsfrihed. I ytringsfrihedens navn kan man kritisere alle tænkelige holdninger, men hvis man kritiserer jødiske/israelske forhold, trækkes det bekvemme antisemitisme-kort. Hvilket ironisk nok netop er en af pointerne i Defamation. Med det nye nummer præsenterer Ekko filmen på dvd i samarbejde med SF Film Production. Vi udgiver filmen i director’s cut – altså præcis som instruktøren har lavet den, uden advarende introskilt eller andre af de foranstaltninger, DR2 nu stiller som betingelse for at vise filmen. Vi vil gerne give vores læsere mulighed for selv at tage stilling.”

Karsten Fledelius anmelder filmen i Information i dag.

Pirjo Honkasalo: The 3 Rooms of Melancholia

Filmen skal handle om lovens bud du må ikke vidne falsk mod din næste, sagde Iikka Vehkalahti, da han bad Honkasalo lave den, og hun brugte i sin synopsis den endnu tydeligere engelske formulering Thou shalt not bear false witness against thy neighbour, det er den konkrete nabo, det handler om, der i ørkenen, der i bjergene, og hun kom med sit vældige filmværk til at fundere over fjendebilledets opståen. ”Det er en skønhedsmættet meditation over mennesket fanget i voldelig konflikt uden ende og uden nåde. Et rekviem over de levende og de døde” skrev Stephen Holden i New York Times efter premieren i Film Forum i South Village.

Rekviets tre satser skildrer som tre led, Longing, Breathing og Remembering i denne dødsmesse først livet blandt 9 til 14 årige drenge på det russiske militærakademi på Kronstadt, dernæst i illegale optagelser fra det sønderskudte Grosnij, en kvindes uselviske arbejde med på helt eget initiativ at redde så mange børn som muligt ud af husenes og familiernes ruiner og endelig blandt hende og børnene i asyl i en af Ingusjiens flygtningelejre, hvor Kronstadt-elevernes kommende fjender dannes i deres anderledes kultur med modsatrettede billeder af fjenden. Der fældes ingen domme i dette filmværk, hændelserne betragtes med opmærksomhed, undren og vemod. 

Vi så filmen i aftes på Den Skandinaviske Designskole, og vi indså, at da filmen jo er optaget i 2002-2003, vil de medvirkende bløde og klarøjede russiske og tjetjenske drenge, vi har lært at kende i filmen, i dag måske være i hård og blind krig med hinanden. Som i Dubrovka teateret i Moskva dengang, i den internationale lufthavn forleden, i Grosnij snart igen. Måske, sandsynligvis.. Falske vidnesbyrd, gengældelse, hævn.

Vi lyttede til Pirja Honkasalos egensindigt langsomme, insisterende og uafrystelige filmværk, som bestemt er et rekviem. Det hørte vi måske tydeligst i komponistens (Sanna Salmenkallios) og den kongeniale kontratenors fortolkning af en lille række digte, som en af Kronstadt-kadetterne har skrevet. Ja, sådan forstod vi det. Og vi blev i den kirkelige kunsts store figurer, vi talte om, at billederne, scenerne, forløbene med sikre hænder (Niels Pagh Andersens og Honkasalos) er anbragt som tre messeled, i de tre rum, titlen taler om, og de fremtræder i én ubrudt fremadskriden i en trefløjet altertavles, i et triptykons form. Originaltitlen er jo netop The 3 Rooms of Melancholia, og filmrummene, svarende til de middelalderlige altertavlers malede og billedskårne felter eller fløje, dukker op ved siden af hinanden som tre samtidige fremstillinger med overskrifterne Kronstadt (Longing), Grozny (Breathing) og Ingushetia (Remembering). Tre vigtige steder og tre store følelser.

Pirjo Honkasalo: The 3 Rooms of Melancholia, Finland 2004. Manuskript og kamera: Pirjo Honkasalo. Klip: Niels Pagh Andersen og Pirjo Honkasalo. Lyd: Mart Otsa m. fl. Lyddesign: Martti Turunen. Musik: Sanna Salmenkallio. Produktion: Millennium Film, Kristiina Pervilä. Honkasalos filmografi (danske udgivelser): Mysterion, 1991. Tanjuska og de 7 djævle, 1993, kan lånes på biblioteket. Atman, 1996, kan lånes på biblioteket. Melancholia, 2004. Kan lånes på biblioteket eller ses på www.filmstriben.dk

Cinema Komunisto Closes Magnificent7

It was one of those evenings that you will never forget – and that Mila Turajlic will never forget. A totally packed Sava Centre in Belgrade gave her a minute long applause for her great work on making the 100 minutes long documentary on Yugoslav film history, ”Cinema Komunisto”, a film that in this and shorter versions will travel the world, to festivals and television companies. It is an enjoyable and informative voyage the young director takes, in film history and in history – back to a country that no longer exists. And with Tito as the main character, a man who loved films, watched film every night, and also wanted to have films made about himself and his greatness in fights against the Germans during WW2. The greatest man, as Orson Welles says in an archive clip from his visit to the country. Hundreds of partisan films were made, we see clips from them and from loads of other Yugoslav films, matched with documentary archive material and interviews and situations from today. All done in a way that is so excellent that it is hard to believe that this was done by a young filmmaker and a young editor (Aleksandra Milovanovic) with many others who were not alive or were kids. But they had the courage, the patience and the skills to research and produce, and the maturity to make a film of that size. Bravo!... and go to their website where a lot is to be learned as I did last night in Belgrade at a magnificent screening for a couple of thousand people:

http://www.cinemakomunisto.com

Nina Hedenius: Naturens gång

For mig findes begrebet dokumentarfilm ikke. Jeg oplever selv, at jeg laver film om, hvordan tingene skulle kunne tænkes at være, ikke om hvordan de er… (Nina Hedenius)

I FOF filmklubben i aften skal vi se Naturens gång af Nina Hedenius. Det bliver en usædvanlig oplevelse, en udfordring for nogen af os, en ren befrielse for andre. ”Naturens gång”, det kan ikke helt siges på dansk. Det er vist en mellemting mellem ”livets gang” og ”naturens orden”. Og i hvert fald dækker det filmens indhold, mærker man, selv om man er uden for det svenske sprog. Det er en film om liv og tid og bevægelse, en tænksom, ordløs overvejelse i billeder.

Det handler også om natur og kultur. Kort inde i filmen er der en uforglemmelig scene, et interiør fra den gamle gård, som er filmens centrale location, man hører en nyhedsudsendelse i radioen, erindres om, at der er en verden uden for middagssøvn og fred i bondens hyggelige stue. Under en workshop for unge filmfolk i Beograd for et årstid siden viste Nina Hedenius citat-klip fra sine tidligere film og røbede, at dette radiouddrag i den nye film fra 2009 med en rapport om israelske bombardementer i det sydlige Libanon er nøjagtigt det samme som et radiouddrag monteret tilsvarende i hendes film Vintersaga fra engang i 1970’erne. ”Ingen overhovedet har reageret, sagde Hedenius, som i sine film fuldstændigt afholder sig fra sociale og politiske temaer, således at man kun kan forstå dette tyve år gamle lydklip som en spidsfindig kommentar til udenrigspolitik som sådan!”  

Det er Tue Steen Müller, som fortæller denne historie. Det er ham, som har gjort opmærksom på filmen, som han ikke tøver med at kalde et mesterværk. Han har skaffet dvd-kopien til os fra den serbiske filmfestival sidste vinter, hvor Naturens Gång blev modtaget med begejstring.

En begejstring så stor som de svenske seeres, som fik filmen sendt første gang 1. juledag 2008. Leif Furhammar skrev i sin yderst positive anmeldelse i Dagens Nyheter, at det var ”…julhelgens märkvärdigaste satsning… Filmen er den enda av dette årets julfilmer som skulle komma att gå til tevehistorien.”

Selv siger Hedenius om sin film: ”Konflikten mellan det goda mänskliga inom var och en av oss och hur det krockar med samhällsmaskineriet, har alltid förundrat mig. Hur kommer det sig att vi i detta välfärdssamhälle känner så starkt att något har gått snett på vägen? Vi tycks ha tappat förmågan att vörda och vårda det viktiga i livet; naturen och hela det känsliga ekosystemet.”

Nina Hedenius: Naturens Gång, Sverige 2008, 108 min. Manuskript, fotografi og klip: Nina Hedenius. Produktion Nina Hedenius for SVT2. Filmografi, de mest berømte titler: Det speglar i mitt öga, 1992, Gubben i Stugan, 1996, Från Sverige i tiden, 2000, Konsten att städa, 2003, Naturens Gång, 2008. I hvert fald Gubben i stugan og Naturens gång kan købes over nettet.

Dokumania: Annie Leibovitz

Next week’s Dokumania on Danish DR2 this coming tuesday at 9pm, prime time, is the film about American Photography icon Annie Leibovitz, reviewed on this site.

If you can not watch Danish television and want to update your knowledge about Leibovitz, go to this Google collection.

http://www.dr.dk/DR2/Dokumania

Presidential Docs

The trade magazine Realscreen – that calls itself ”the best in non-fiction" – announces the American HBO’s upcoming slate of documentaries. Two interesting documentaries are to be broadcasted, made by well-known documentarians – they deal with JFK and Ronald Reagan.

Veteran Robert Drew launches ”A President to Remember: In the company of John F. Kennedy” that premieres January 20 and is based on footage, among others, from the cinema verité classics ”Primary” (1960) and ”Crisis” (1963). And younger Eugene Jarecki, who made the critical ”The Trial of Henry Kissinger” (2002) and the intelligent ”Why we Fight” (2005) which was characterised as a film about the ”anatomy of the American war machine”, has made a film with the title ”Reagan” to be aired on what would have been the late president’s birthday, February 7.

All mentioned titles are available on dvd's. Easy to google where to find them.

http://www.drewassociates.net/index.html

http://www.realscreen.com/

http://www.sonyclassics.com/whywefight/

Stan Neumann: The Surrealistic Photography

The Czech born, based in Paris, director Stan Neumann is a real auteur, who has been working a lot for the French-German cultural channel arte as one of the directors trusted by Thierry Garrel, when he was leading the arte Unité Documentaire. Neumann made two masterpieces, ”Language does not Lie” and ”A House in Prague” (the first one written about on this site) but apart from that he has been behind a huge series on Architecture and he has made a lot of documentaries for the television channel on visual arts.

One of them is a 2009 production on the surrealistic photography made in cooperation with the Centre Pompidou in Paris. It is one of those playful visual lectures that with an excellent commentary introduces you to not only the famous surrealists Man Ray (Photo of the legendary Kiki de Montparnasse), Salvador Dali and André Breton, but also to Dora Maar and Alvarez Bravo. You are entertained and informed, well you learn something when Neumann puts one photo after the other to our vision and manipulates the framing to make us wiser.

I watched it on the Danish digital channel for culture dr K.

France, 26 mins.

http://sales.arte.tv/detailFiche.action?programId=1350#

http://www.dr.dk/K/forside.htm

Forgotten Transports in Copenhagen

The Czech Embassy has asked filmkommentaren.dk to announce the screening of one part of the extraordinary documentary series by Lukas Pribyl, previously praised on this site. We do so with pleasure by re-posting the review from 2009 below.

The screening of the film Forgotten Transports to Estonia takes place in Husets Biograf in Copenhagen January 26. The screening is one of many events in connection with the Danish Auschwitz-Day (January 27 – the day in 1945 where Auschwitz was liberated by Soviet troops).

More information about the screening: Consulate_Copenhagen@mzv.cz

The review: What an achievement! I don’t recall, when was the last time that I witnessed so captivating a historical documentary, here told by Czech Jewish survivors of the holocaust. They were interviewed between 2000-2006 by Lukas Pribyl, the researcher, writer and director behind the four 90 minutes long films that share the same title, ”Forgotten Transports”, with the adding of where the transports went: ”to Latvia”, ”to Estonia”, ”to Belarus”, ”to Poland”. (The photo represents the "Estonian "Czech Girls"" in "to Estonia").

Put together in a clearly edited non-sensationalistic chronological structure each of the four films takes the viewer on a journey from Czekoslovakia to the ghettos in the countries mentioned and from there to camps – concentration camps, extermination camps. Or to be more precise: the survivors take the viewer with their personal stories, told with shocking and moving details, but also with humour. Watching the film you wonder how it was possible for these people to continue living after they (most of them) lost their families and were so close to the most horrifying brutality and death in circumstances beyond description.

But the film director does so in a way that deserves all respect. All archive material – moving or still images, much of it I guess shown for the first time  – are connected to the places, events and time that the storytellers refer to. Discreetly a text is placed in the frame giving the information of name of person talking, or the place we are taken to. With the addition of private photos of the survivors as young people, as well as the killed relatives or friends, or the German SS people and camp superiors. This is not a film about the 2nd WW, there is not a single word from Hitler, there is not a single reconstruction, it is totally based on what human beings remember from their childhood and youth. Put together in four films that are different as their fates were different, some timesvery hard to watch and listen to, some times you smile. It is about Czech Jews but the stories have an universal appeal.

The musical score also deserves a mention for its high quality. Peter Ostrouchov avoids all film music klichés and pushes for sentimentality, for me his music places the viewer in a state of reflection.

www.forgottentransports.com

Yuri Khashchevatsky: The Kalinovski Square

It seems to be a never ending story that comes out of Belarus every time an election is being held: The – it seems – life-time president Lukashenko pushes his gorillas to attack his  political opponents, who are being beaten up and/or sent to prison. That is what happened a couple of days ago. This is a review that was written for the DOX Magazine some years ago. The film by Khashchevatsky has not lost its actuality.

Let me just mention one scene that demonstrates the mastership of Yuri Khashchevatsky as a filmmaker who knows how to bring forward this very simple message: There is a dictatorship in Europe, a nation called Belarus, governed through a systematically consequent spread of fear among those who are opposed to a regime that suppresses all human rights. A nation where elections are manipulated and where opponents to the President Lukashensko are taken to jail or just disappear.

The scene shows a boy being asked where his father is. I don’t know, the boy says with a photo of his father held to his chest. The camera stays at his face as he starts to cry and seeks refuge behind the back of his mother who is also holding a photo on the square where their manifestation takes place. Cut to the next scene, the same square, the same mother and child, several years later. The mother is attacked by one of the soldiers. Nothing has changed, the father Dimitri Zavadski is still missing. 

There are many ways to make a political statement and there have been several films on Lukashenko and Belarus. The world is watching this place of

DocuNotes 2010: Chile

Chilean documentary is much more than the master Patricio Guzman and his films on Allende and the suffering during the time of Pinochet. There are many talents and many authored voices to keep an eye and ear open for. I saw that when in Santiago during the autumn 2010, going back with a pile of dvd’s to watch and comment. And I met the Chilean delegation again when they arrived at idfa and made themselves visible through a well visited pisco sour reception and presentation.

The couple Perut and Osnovikoff, for instance, take a look at their website, original ”handwriting”, expressionists I would call them, I saw several of their films and they deserve much more attention than they have got so far. Notice first of all the film ”Noticias”.

Or take a look at the website of the production company Errante, whose energetic producer and director Paola Castillo pitched several strong projects at idfa.

A documentary community in development with a structure for a documentary culture, also in development: festivals, independent companies, public support, going international.

www.accionaudiovisual.uc.cl

www.adoc.cl

www.chiledoc.cl

http://perutosnovikoff.com/wp/english/

http://www.errante.cl/ingles.htm

DocuNotes 2010: Rabbit a la Berlin

”Yes, this is the way to make a different film for the celebration of the 20 years of the fall of the Berlin Wall. Playing masterly with the film language, wanting to surprise us. To tell us the same story but in a completely new way. With music that associates a fairy tale with rabbits in the leading roles. But also as an informative commentary-born popular science film about the city lives of a threatened species...”

This is how filmkommentaren.dk started an enthusiastic review of the film in question, that went all the way from being a small Polish-German production for the 20 years after the Wall, going to tv-stations all over the world and to a nomination for an Oscar. Bartek Konopka and Piotr Rosolowski were director and cameraman, and Anna Wydra was the producer, who fought for the success of the film and won.

I met her again at idfa, she was boiling with new plans – publishing dvd’s of excellent, but not very well known Polish documentaries, to be sold to a Polish audience – and she gave me a book, with the 39 mins. long dvd of the film inserted, on the very same film’s ”career”. Financed by... of course, Duracell! Elementary, my dear Watson. An English version of the book with dvd is now under negociation.

http://www.rabbitalaberlin.com/?set_lang⟨=en

Henning Carlsen: De gamle, Familiebilleder, Ung

Niels Jensen skrev i Filmkunst (1969) videre om Henning Carlsen, at han med trilogien De gamle, Familiebilleder og Ung (1960-65) var blevet "den førende danske repræsentant for moderne dokumentarisme." Det var skarpt set og modigt vurderet blot fire år senere, men det var også kyndigt, har det herefter vist sig. Afsnittet i det store filmæstetiske essay fortsætter om Carlsen: "Da De gamle blev til, stak dansk kortfilm endnu i al væsentlighed i tredivernes og fyrrernes tradition. Man fremlagde og redegjorde, spurgte ikke thi man vidste det hele og opsøgte ikke mennesker på hvis ansigter livet havde skrevet. Nu kom det. Lykke og sorg, tryghed og modgang, fællesskab og ensomhed ses i billederne af 'De gamle' og høres i stemmerne."

Henning Kristiansens teleoptagelse af de to på bænken i parken (FOTO) er fra Familiebilleder. Til netop denne scene, som er et indklip, særdeles medtolkende som det er placeret i filmen, knytter Henning Carlsen i Mit livs fortrængninger (1998, 134f) en afmonterende anekdote, som dokumenterer, at virkeligheden i historien bliver til en virkelighed, som overtrumfer den virkelige. Dokumentarfilm er konstruktion. Konstruktion af sand virkelighed. Det er måske også Niels Jensens konklusion på en tilsvarende læsning af en Carlsen-tekst, Jensen skriver i Filmkunst: "Henning Carlsen, der i sin tid begejstredes over cinéma vérités sandhed har nu givet dette en drejning og er endt med (i et interview i Kosmorama nr. 81) at prise det subjektive og anfægte selve forestillingen om det dokumentariske. Findes det overhovedet? Findes der andet end instruktørens film?" Niels Jensen så det med det samme dengang i 1969, men der er stadigvæk politiske sager om det dokumentariske billedes sandhedsværdi, sådan er det i den virkelighed. Pointen i dette er imidlertid, at de to på bænken godkendte brugen af deres samvær, skønt det i deres virkelighed, da de uden at vide det blev filmet, havde et helt andet indhold end klipningen tillagde det. De var nemlig biografgængere og kendte også den virkelighed som virkelighed. 

Henning Carlsen: De gamle, Danmark 1961. 30 min. Manuskript: Henning Carlsen, fotografi: Henning Kristiansen, lyd: Erik Rasmussen, klip: Henning Carlsen, produktion: Flamingo Film Studio for Socialpolitisk Forening og Statens Filmcentral.

Henning Carlsen: Familiebilleder, Danmark 1964. 28 min. Manuskript: Henning Carlsen, fotografi: Henning Kristiansen med Leif Jappe som assistent, lyd Niels Ishøy, klip: Henning Carlsen, produktion: Henning Carlsen med Jette Kromann som assistent for Socialpolitisk Forening, Dansk Kulturfilm og Statens Filmcentral.

Henning Carlsen: Ung, Danmark 1965. 27 min. Manuskript: Henning Carlsen, fotografi: Henning Kristiansen, klip: Henning Carlsen.

De tre film er sammen med Limfjorden, 1961 er nu udkommet på dvd, og kan tillige med en del af Henning Carlsens mange øvrige film på vhs eller dvd købes hos ham selv.

Henning Carlsen: Limfjorden

Jørgen Vestergaard var ung og begynder dengang i 1961, da han var assistent på Carlsens film fra Limfjorden, men han var som den journalist, han også ville være, herefter erobret af den poetiske måde at rapportere på. På film. Carlsens regler var dengang med den produktion: 35 mm. Sort/hvid. Ingen musik. Film som ikke er turistfilm, som Carlsen skriver i ledsageteksten til dvd'en, som kom ud i år. Bortset fra det sidste modificerede de begge senere denne strenghed.

Et kapitel i dansk filmhistorie begynder her. Vestergaard er et par år senere med sin første rigtige film Sommerheste i gang med en livslang værkrække, og Carlsen er allerede begyndt på sin berømte trilogi (som også findes på denne dvd), der introducerer cinéma vérité i dansk film. Niels Jensen skriver om det i sin bog, Filmkunst (1969) og citerer Henning Carlsens begejstring for Jean Rouchs og Edgar Morins metode: ”Dette studie i et menneskeansigt… er drama mere end nogen forfatter, skuespiller eller instruktør kan skabe – det er det, der hedder ’cinéma-vérité’ – sand film!”  Niels Jensen vidste godt, at Carlsen ikke kendte Rouchs og Morins film i 1960-61, ”… men hans ord bringes for at vise hvor meget instruktøren (Carlsen) længtes efter en dokumentarfilm, der beskæftigede sig med mennesker.”

Og det er også ved gensynet disse mange år senere, man gribes af billederne af menneskene fra dengang. Fastholdt af dem lige fra den første lange scene med de to, som i kølig morgendis vader ud til jollen, stiger om bord og i en stilfærdig lyd fra det, som sker og er der og ikke andet, ror ud og ud, til de forsvinder i dis, lige før de forsvinder ud af billedrammen. Carlsens klip, som behjertet følsomt har ladet os vente længe, længe for at se, se lader os i tvivl om det, men vi ved jo, at de skal røgte garn, at kameraet senere i fortællingen efter reglen, vi har i nervesystemet, vil samle dem op ude ved pælene. Sådan er den, billedfortællingen, som den tids nye æstetik og Theodor Christensen forlangte det, som Carlsen ville det. Denne film og så Familiebilleder, som han lavede samtidigt, står blandt de mange dokumentarfilm, han har overkommet, hans hjerte nærmest, skriver han i Mit livs fortrængninger (1998). De siger ikke noget, de to fjordfiskere, de ved, hvad der skal gøres og koncentrerer sig om det. Sådan er det også med deres modsætning, havnearbejderformanden inde i Aalborg, som med udsøgt musikalitet i sine hænder dirigerer cementsække igennem en dæksluge, og netop under denne optagelse går det en smule forkert og.. ja, op igen, om igen. Bemærkningen falder, som var det filminstruktørens, en af de få replikker i den tavse film. Jo, tavs er den. Erik Aalbæk Jensens og Nicolai Lichtenbergs speak er udenfor, af en anden verden, højskolens, belæringens, distancens. I dag kunne den godt undværes, den ved ikke, hvad den taler om, filmbillederne ved det. Den er et udenværk, som er til at komme omkring ind til den rene film.

Henning Carlsen: Limfjorden, Danmark 1961. 29 min. Manuskript: Henning Carlsen, fotografi: Henning Kristiansen, klip: Henning Carlsen, produktion: Minerva Film for Dansk Kulturfilm, distribution: Henning Carlsen. En del af Henning Carlsens mange dokumentarfilm kan på vhs eller dvd købes hos ham selv.

Jørgen Vestergaards snart samlede værker

Når der er kræfter (sponsorer eller store distributører) bag, kommer dvd-boksene med de berømte navne og titler, og det fint nok. Når der er vedholdende vilje bag, kommer de andre film også, men enkeltvis eller blot samlet et par stykker på en enkelt dvd, i almindelige kassetter. Men de samler sig uanset udgivelsesmåden ved siden af hinanden på reolen, disse rækker af samlede værker.

Jørgen Vestergaard og hans forlag på biblioteket i Thisted sørger efterhånden for at få hans samlede værk ud på dvd. Det fylder mere og mere helt til højre på hylden. Under bogstavet V ude ved von Trier og Westerlund. Vestergaard fylder lidt efter lidt meget på hylden, og især fylder hans samlede værk sin plads i den danske filmlitteratur, hvor han som naboerne dominerer sin niche med gedigen kvalitet og faktisk sjældenhed. Umistelig. Disse dvd'er er nu til at få:

Et rigtigt bondeliv (1994), på dvd’en findes også Fjordfiskerne (1996) og Brødre (1996)

Kirsten Kjær og hendes museum (2008), på dvd’en findes også Cementkrucifikset (1968) om Anton Laier og med Broby-Johansens beretning, Jens Søndergaard (1995) og Ovartaci (1998)

Hanstholm - historien om en havn (1970), på dvd’en findes også Vagt ved havet (1965), Havnen (1967) og Kanonen (2005)

Viljen til Thy (2005), en beskrivelse af forandringsprocessen i Thy i perioden fra 1970 til 2005.

De fire dvd’er med i alt 12 film er udgivet af Forlaget Knakken. J.P. Jacobsens Hus. 7700 Thisted. De bestilles ved en mail til orpo@thisted.dk Storm P. Museet www.stormp-museet.dk har endvidere udgivet og sælger selv

Storm P. Opfindelser (2001) en yderst opfindsom dukkefilm over en række af de skøre maskiner, Storm P. tegnede. 

Still: Et rigtigt bondeliv

Jørgen Vestergaard: Landsbyen lever og Sommerheste

Det er så godt, at Jørgen Vestergaard sørger for at få sine mange vigtige film fra en lang og i ordets forstand enestående produktion ud på dvd. For disse film har alle årene været noget helt for sig selv, og de vil blive stående som enestående. Som en særlig filmkultur, han er alene om. I hvert fald på det niveau. En kultur i landets midte, som journalister og politikere for tiden kalder nationens udkant. 

Jeg glædede mig oprigtigt til at se de to gamle film, da de ankom i den nye kassette. Jeg gik gennem udenværkerne af aktualitet og journalistik og pædagogik fra dengang, de blev lavet, direkte ind i de dejlige dele. Først og fremmest ind til de medvirkende og deres sprog, sætninger, ord og kultur, som var min i min barndom, i min ungdom, dengang. Her til stede i et dokumentarisk arbejde og fastholdt, så det er en udfordring til den kultur, det samvær, som omgiver mig i dag. Ved siden af sprogets dokument er der i Vestergaards film altid, og altså også her, filmfotografiets dokument, som altid og også her er selvfølgeligt, smukt og autentisk. Orla Nielsen har fotograferet Landsbyen lever og Lennart Steen har fotograferet Sommerheste. De har været med fra begyndelsen, Sommerheste fra 1964 er Vestergaards første rigtige film, som han så indforstået præcist skriver i kassettens teksthæfte.   

Men, men, jeg må også være skrap. Der er altså noget, der forstyrrer. Det er disse udenværker. Jeg er ikke sikker på, om de altid har forstyrret. Men nu forhindrer de mig i hvert fald i uden grums i linserne at se værkernes rene filmiske indre søjle af uangribelighed. Konkret liste: Gunnar Iversens nok alt for villede speak, Jens Okkings mærkeligt distanceret nedladende indtaling, Peter Watkins-rammen af propaganda drama-dok i Landsbyen lever, som ellers er tidløs dokumentarisme, og så hele børnefilm-historien, som er klodset ramme om den fineste film pure i Sommerheste.  

Begge film er altså en del, og til dels forstyrrende, præget af den tid hvori, og af de formål hvortil, de blev lavet, og jeg kan ikke frigøre mig fra den tanke, at en nybearbejdning kunne have forbedret dvd-udgivelsen betydeligt, idet det så havde været muligt at skrælle ind til de to værkers sikre kerne af umistelig dokumentarisk og filmisk værdi. Den er der selvfølgelig nu, inderst inde og helt sikkert, men der meget omkring, som forstyrrer et blik, som så gerne vil se filmens kunst.

Men, men. Der er jo de uforfalskede og ægte talende mennesker i landsbyerne, og der er især, især det fine lille stykke filmlyrik om de dejlige heste, som dengang var så talrige og vigtige, men som netop disse år udvandrede sammen med bønderne. Som Knud Sørensen skildrer det: ”… Forholdet mellem mænd og heste er naturligt. 1 mand til 2 heste. Et hestespand. Forestiller man sig nu disse 295.000 overflødige mænd (så mange forsvandt fra landbruget mellem 1942 og 1975) med deres overflødige heste på vej ud af dansk landbrug, f. eks. ud over den dansk-tyske grænse ved Kruså, så må man forestille sig en næsten uendelig række af mænd og heste, ned gennem Holsten, forbi Hamburg, videre ad motorvejene forbi Frankfurt, forbi Basel, over Sct. Gotthard, de når Milano, fortsætter, fortsætter, og i det øjeblik første mand drejer ind på Peterspladsen i Rom, forlader sidste mand grænsestationen ved Kruså…” (Beretninger fra en dansk udkant 1978)  

Jørgen Vestergaard: Landsbyen lever, 1990, 44 min. Manuskript: Gunnar Iversen, fotografi: Orla Nielsen, indtaling: Jens Okking, klip: Jørgen Vestergaard, lyd: Kristian Bro og Kjell Bjørlie, musik: Kenneth Knudsen, Ole Theill og Mikkel Nordsø, produktion: Jørgen Vestergaard Film, distribution: Forlaget Knakken orpo@thisted.dk

Jørgen Vestergaard: Sommerheste, 1964, 23 min. Manuskript: Jørgen Vestergaard, fotografi: Lennart Steen, indtaling: Carl Ottosen, klip: Jørgen Vestergaard, lyd: Kjell Bjørlie, musik: Bent Axen, produktion: Jørgen Vestergaard Film, distribution: Forlaget Knakken orpo@thisted.dk

Lithuanian Documentaries – for free

An early christmas present for documentary lovers: The offer to watch artistic short documentaries from the country of filmmakers who, if any, master the poetic film language: Lithuania. In times where these kind of films have problems in getting to the big festivals, that more and more select by subject – political and social - the initiative deserves a huge BRAVO! It comes from DocAlliance, the excellent online portal for Video on Demand offering permanent access to 400 outstanding documentaries selected by the five partner festivals (Leipzig, Nyon, Copenhagen, Warsaw, Jihlava). Twenty new films are added monthly and these can be acquired through streaming or download.

This offer for free streaming of Lithuanian docs runs until the 28th, i.e. this upcoming Sunday. If you want more information - Filmkommentaren has written about Arunas Matelis 12 times, Audrius Stonys 24 times – the two masters, whose works (at least some of them) you can watch, and as for the film “Man-Horse” by Audrius Mickevicius you will find an enthusiastic review. IF you don’t have time to watch the films now, you can do it later by paying a cheap fee. The selection of films for video-on-demand is done with competence.

Here comes the list of films and the site address:

Camera, Laptop, Action: The New Golden Age of Docu

... is the headline of a long, interesting article in the Observer sunday November 7. It serves as a follow-up to the Sheffield Doc/Fest that has been covered excellently by the Guardian, see site address below.

The Observer article (written by Sean O’Hagan) examines how cheap technology is allowing film-makers to stretch the form as never before. To get wise words on that perspective, director and film critic/historian Kevin Macdonald is interviewed. Here is a bit of text from the article that is very much to be recommended:

"The form is certainly being stretched more than ever," says the director Kevin MacDonald, who has made feature films (The Last King of Scotland), documentaries (One Day in September) and merged the two (Touching the Void). "But documentary is a generous basket that can hold a lot of different things. If you think about it, journalism, letter-writing, memoir, satire – they all qualify as non-fiction, so why can't the same loose rules apply to documentary?"

To this end, MacDonald is currently working on the first feature-length documentary made entirely of user-generated content shot in a single day and then uploaded on to YouTube. Called Life In A Day, the impressionistic film is currently being edited down by MacDonald from 5,000 hours of footage from 190 countries. It will premiere as a three-hour documentary at next year's Sundance festival. "It's amateur film-making on a grand scale," says MacDonald. "But, because the participants are often showing such incredibly intimate things that you could not get in a traditional documentary unless you spent months filming, it is also ground-breaking in ways that we did not expect."

In the end, says MacDonald, it all comes down to great storytelling. "The irony is that, when I make a documentary, I always feel like I am taking all this real material and trying to tell a story almost as if it was a fictional narrative. When I make a fictional film, I do the opposite."

http://www.guardian.co.uk/film/2010/nov/07/documentary-digital-revolution-sean-ohagan

http://www.guardian.co.uk/film/sheffield-doc-fest

Michael Madsen: Into Eternity

For nogle dage siden så vi den alle andre vegne velkendte film i min filmklub i FOF-Randers. Vi fandt os med ét tilbage i zonen i Tarkovskijs film om de tre mænd, som trænger ind i et truende område. Vi er som hos Tarkovskij i det smukkeste landskab kontrasteret til det foruroligende i et filmfotografi, som ikke svigter. Det er usvigeligt og sikkert, vi vil blive bragt til en slutning, kompetent.

Vi er igen mellem de betydningsladede replikker (det har måske gjort indtryk, at Madsen var via Strindberg i To Damascus) her dybt musikalsk klippet til filmens langsomme dialog af dæmpede stemmer. Den undersøgende (den rejsende, den ukendte, den indtrængende) stiller enkle, ofte naive spørgsmål. Svarene kommer tøvende, de er uafbrudt tænksomme, kompliceret-enkle. Rytmen er uendelig langsom: pause, pause, indholdsmættet udsagn, pause, udsagn igen, pause, pause, pause og sådan videre. Den citerede musik er af Sibelius, Varèse, Pärt, Kraftwerk… 

Michael Madsen har baggrund i performance art, lyd og lys. Jeg lærte ham at kende som skribent. Han skrev et af de bedste manuskripter, jeg i min tid læste, af gode manuskripter på det niveau var der i min bunke på mange hundrede måske en håndfuld. Det var til hans første film Celestial Night. Michael Madsen brugte og bruger stadigvæk tv-dokumentarens konvention til personligt essay med indsigt og alvor, som var det Enzensberger. Og Into Eternity er understøttet af samme litterære kvalitet, samme belæsthed, samme lette væv af æstetiske referencer. Der monteres ganske let, på højt forståelsesniveau. Tjernobyl ulykken behandles alvorlig og præcist på få sekunder, uafviseligt sådan spredtes det nukleare materiale.

Juryens begrundelse for prisen ved Nordisk Panorama festivalen i Bergen for kort tid siden beskriver metoden således: ”Ved at omdanne biografen til en tidsmaskine tackler instruktøren det, der ellers kunne være blevet tørt ekspertstof eller et stykke ingeniørporno, på en måde, der er overraskende, poetisk og hynotiserende. Han gør det internationale problem om håndteringen af nukleart affald til en meditation over selve menneskehedens og civilisationens skæbne. Alt dette uden at ofre den journalistiske stringens.”

Filmen klinger ud i vemodets værdighed med Edgard Varèse musik til Paul Verlaines digt fra Sagesse III:

Un grand Sommeil noir / Tombe sur ma vie: / Dormez, tout espoir, / Dormez, toute envie! //

Political Film Group Argentina

Sunday in Buenos Aires. As hundreds of other we decide to pay a visit to the St. Telmo market. At the main street of the market I see a stand with videos, and many of the covers are familiar to me. There are films by Glauber Rocha, Alea, Solanas and many others, all of them dealing with political resistance, and some of them classics in the history of documentary cinema. I try to get into a dialogue with the man at the stand (my Spanish is pretty limited) and understand that he represents an activist film group called Alavio. I buy some films and go home and find their website. That has an English language page from where the small quote below comes. It seems, however, that the website is not updated any longer. The other one, Agore Tv, is in Spanish and includes news, clips and a reference to available films.

Grupo Alavio is the name, they state that they have been participating in working class struggles for over 10 years. ”As activists struggling for social revolution, the debate of whether the reach of the camera is enough is an inevitable discussion”.

Photo from Glauber Rocha's "Terra em transe".

http://www.revolutionvideo.org/alavio/englishhome.html

http://www.agoratv.org/

Torben Glarbo: Decoding

... with the subtitle: Tim Rushton’s Enigma... is a making-of-film, a fascinating observation of the process of setting up of a contemporary dance performance conceived and conducted by Tim Rushton.

When the producer of the film – Ole John – passed the dvd to me, his comment was, ”well, ballet is not your strong side”. Right he is but taking the viewer into a new world and environment is precisely what a good documentary can do. You learn something and you actually discover the similarities between a documentary director and a choreographer like Rushton, who works without any script constantly ”editing” the performance, trying something new, rehearsing with the dancers, finding the right rythm and balance adding light and music to get the right sensual expression.

Torben Glarbo has followed the process for seven months and conveys brilliantly the different moods of doubt, the collaboration and the experimentation. Movements in a rehearsal room are as born for the camera of Glarbo.

Some background info on the film which can be bought through the site below: Enigma’s choreography is inspired by Bach, with his six unaccompanied cello suites as its musical base. Jakob Kullberg plays the cello, and the accompanying electronic soundscape is composed by Mathias Friis-Hansen... Tim Rushton is originally from Birmingham, England and educated at the The Royal Ballet School in London. He has spent the past 15 years in Denmark as a dancer and choreographer, among others at the Royal Danish Ballet. Rushton has been nominated for the Reumert Prize 10 times and received it 5 times: in 1999, 2005, 2006 and 2008 and in 2010 for Danish Dance Theatre.

Denmark, 2010, 58 mins.

http://www.torbenglarbo.dk/

http://www.decoding.dk/

On Being There with Richard Leacock

Richard Leacock, 90 years old in 2011, a master of cinema vérité, always energetic and inspirational... finally gets a filmic homage. It happens now at the Telluride Film Festival and it takes place in association with the first public screening of Monica Flaherty’s 1980 sound version of the 1925 film, Moana by Robert Flaherty (Leacock worked with Flaherty in 1946 on Louisiana Story). Wow, film history!

Jane Weiner is the director of the film ”On Being There” on Leacock. Here is an edited clip from the press release that came in this morning:

In the summer of 1972, Jane Weiner started filming with a prototype camera of the experimental Super 8 Sync-Sound-System that Leacock was then developing with Jon Rosenfeld and Al Mecklenberg at M.I.T. Shooting over 4 decades on a variety of ever-changing film and video technologies, Weiner doesn’t hide the image artifacts, film flutter and glitches, which were part and parcel of experimenting in small-format. She follows Leacock to his boyhood home in the Canary Islands – the location of his first oeuvre, Canary Island Bananas; she recounts his relationship with his mentor, Flaherty, and details his involvement and passion for a particular documentary aesthetic developed by Leacock, Pennebaker, and Robert Drew in the early 60’es. The title refers to the ”feel of the place” that Leacock tries to capture in the non-interventional, observational shooting style of cinema vérité... However, in On Being There with Richard Leacock, Weiner often breaks her mentor’s own rule of ”never asking questions”. Constructed as conversation that covers 70 years of his involvement in filmmaking history, the documentary lets Leacock tell his own story in his own words with few comments and/or commentary from his former protégée.

The feature-length film that is being screened in Telluride to honor Leacock, a work-in-progress it is, will be out in 2011 for theatrical and dvd release – and there will be retrospectives and other festival tributes to the master. Can’t wait to see the film! Photo: Leacock, 2009.

http://www.richardleacock.com/32943/About-RichardLeacock-com

Dokumania: Cities on Speed

Den danske dokumentarserie, bestående af fire film med hver deres egen stil og ”håndskrift”, bliver nu vist på DR2’s tirsdags-strand ”Dokumania” den 24. august og 31. August klokken 21.30. Jeg skrev en artikel til tidsskriftet DOX om serien, her er et redigeret udsnit, særligt om filmene fra Shanghai og Mumbai (photo), instrueret af henholdsvis Nanna Frank Møller og Camilla Nielsson/Frederik Jacobi

This is an edited text about the Danish documentary series ”Cities on Speed”, which is to be broadcasted on DR’s documentary strand ”Dokumania”:

Characters: The four films are classic in thematic appproach but they are also modern documentaries in the way that the emphasis is put on the character driven formula. Professor Shu and photographer Xu from Shanghai, migrant Yasin, civil servant Mr. Das and Ms. Veena from Mumbai, Mr. Taher in Cairo and Antanas Mockus and Enrique Penalosa from Bogota are all megacity citizens of different background and with different stories. They are all involved in, for some you could say victims of, the mega-problems of the pancake-effect as Mr. Shu in Shanghai

Werner Herzog films for Purchase

Herzog is – mostly due to this blog’s Allan Berg – a true admirer of the work of the German director – one of the most noticed and praised names of this site. If you write his name in the ”search”, you get 33 hits. From being an arthouse feature film director known for extravagance and his work with legendary Klaus Kinski, he is now (also) a hit among documentary lovers, even if he would not accept to be a documentarian as his many joyful ”attacks” on the direct cinema people have shown.

Anyhow, it is now not difficult to get hold of his films, dvd boxes have been published, download is possible and festivals are making retrospectives of his work. AND the director is still enormously productive. Recently the upcoming Toronto IFF announced the world premiere of a new Herzogian piece – ”Cave of forgotten Dreams”, the title of a film that offers an ”exclusive access to the Chauvet caves of southern France, capturing the oldest known pictorial creations of humankind in their astonishing natural setting. He (Herzog, ed.) puts 3-D technology to a profound use, taking us back in time over 30,000 years.”

Indiepixfilms is the one that now offers a Werner Herzog Collection for purchase. Mostly of his feature films but also including a neo-classic documentary as ”Little Dieter Needs to Fly”. (dvd - Region 1).

www.indiepixfilms.com

Bibliotekets filmsamling/1

Det er måske Morris’ berømte spejlarrangement ved interviews, som gør det. McNamarras blik, fortælling og tolkning plus hans intensitet former uafrysteligt min opfattelse af verdenshistorien den sidste halvdel af 1900-tallet. DR2 Dokumania sluttede sæsonen værdigt her i sommer med The Fog of War fra 2003. Rystet åbnede jeg lige bagefter for Filmstriben.dk for at se dele af filmen igen, se mere af Morris, en anden af hans film, flere måske. Men der var ingenting. Bibliotek.dk kunne imidlertid anvise en dvd-kopi af både The Fog og War og Standard Operating Procedure fra 2008. Jeg bestilte dem begge, og dagen efter kunne jeg hente 2008-filmen på mit bibliotek, et par dage senere 2003-filmen. Fantastisk.

Samtidig gik jeg i gang med at læse min ungdoms historiker igen. Perry Andersons to-binds forklaring på den europæiske statsdannelses udvikling og krigens og voldens tilsyneladende nødvendighed grænsende til selvfølgelighed. Antikkens, middelalderens og renæssancens krigsherrer og den amerikanske minister, er der en lige linje af lovmæssighed, nødvendighed, uundgåelighed?  

McNamarras nøgne, intense og klart erindrende fremstilling afgør ikke, om beslutningstageren former forløbet, eller om forløbet vælger sin beslutningstager. Rystet som sagt må jeg supplere med Andersons analyse af vores voldssamfunds tidlige historie.

Errol Morris er altså et must. Instruktøren, som var den direkte årsag til, at Werner Herzog i agtelse tilberedte og spiste sin sko, instruktøren som ifølge Roger Ebert er lige så stor som Hitchcock og Fellini. I forhold til tidligere er det så godt, at hans to seneste film nu er tilgængelige på biblioteket. Bibliotekets filmsamling vokser. Men jeg savner selvfølgelig resten af hans vigtige produ ktion. Især den overalt berømmede A Thin Blue Line.

Freddy Tornberg: Bifrost

Filmen skildrer det særlige miljø, elever og lærere skaber omkring sig på kunstskolen Bifrost i Randers. Skolen er for voksne studerende, og den har undervisning i maleri, grafik og skulptur; på skift arbejder alle 15 elever med alle tre teknikker. Skolen er også værkstedsfællesskab for de 15, som har det til fælles, at de har en fuldstændig ukonventionel kunstopfattelse, vild i sind og fri for almindelige forventninger. Filmen skildrer en dagligdag på skolen, følger enkelte elevers arbejde og beskriver to af lærernes gennemtænkning af skolens didaktiske profil. Katja Herrik er aldeles overbevisende i det hun gør i undervisningssituationerne, og Per Kjærsgaard Jensen er fuldstændig klar og præcis i sine redegørelser i nogle fine, naturlige interview-situationer, instruktøren har arrangeret forbilledeligt, og klipperen sat på plads som hvilepauser i dagsrytmens logik.

Freddy Tornberg har lavet en forbavsende og dejlig film på den berømte kunstskole. Forbavsende, fordi den samtidig med det er klassisk, social reportage også er filmtænkning, et legende let gennemført impressionistisk værk, hvor kameraet helt har overtaget skildringen. Og Freddy Tornbergs kamera er ømheden og empatien selv. Det er en film af frydefuld venlighed som et let kærtegn. En film om at udtrykke omverdenstolkning og livsforståelse i maleri, grafik og skulptur, og samtidig en dybt interessant skildring af en skoles didaktiske principper og konsekvente dagligdag. Principper og metodikker så faste og forbavsende som dem på Schuberts Minde i Ringkøbing, men tilsyneladende stik modsatte. Eller mon de er? Det er eftertanken værd. Resultaterne er tydelige og mange og rige. Og indsigterne i kunstneriske arbejdsmåder alvorlige og dybe som Eliassons, der blev skildret i Jacob Jørgensens film med den store islænding. Tilsyneladende vidt forskellige kunstneriske kvaliteter. Eller mon det er så forskelligt? Det er også eftertanken værd. Eliasson viser sit vandfaldsshow på Hudson i New York, Judith Damgaard Nielsen udstiller sine billeder på Louvre i Paris. Overvejelserne fortsætter i én længe efter filmen. Som i øvrigt holder til det sjældne: at kunne ses igen!  

Foto: Heidi Brinch Hansen: maleri uden titel

Freddy Tornberg: Bifrost, Denmark 2010, 39 min. Subtitles: English, German, Japanese. Script: Freddy Tornberg, camera: Freddy Tornberg, editing: Steen Dongo, sound design: Steen Dongo, producer: Freddy Tornberg, company & sales: Venus Film, distribution: Biblioteksmedier. 

Bifrost, FOF-Randers, J.V. Martins Plads 1, 8900 Randers C

Ada Bligaard Søby: De nøgne fra Skt. Petersborg

Titlen siger Skt. Petersborg, så jeg er forberedt. Tavse, højtidelige kadetter i legetøjsuniformer fra fortiden på en fornem plads. Floden, jeg fornemmer, må være Neva. De er alvorlige, tager det alvorligt. Det er én scene. Der står et barn  let ophøjet i et dagligt rum og fremsiger et digt. Et gammeldags digt med versefødder og rim og en tilværelsesforståelse, skulle jeg tro, milevidt fra barnets.  Det er en anden scene. Og i et sted i mig selv forstår jeg spontant noget ordløst om patosens væsen.

Og netop det må være filmens indhold og anliggende. Denne nøgne alvor. Denne fremmedartede vilje til den store gestus, som jeg til min forbavselse genfinder hos mig selv, efterhånden som scene, omhyggeligt overvejet mærker jeg, føjes til scene i en juxtapositions strategi som hos Marker og Godard. Mere end en forælling af billeder er det en udfordring af billeder. På filmselskabets hjemmeside beskriver Ada Bligaard Søby i en lille elegant tekst sine overvejelser i et fuldkomment manifest over den tavst forsigtige og antydede antropologi, hun udfolder i filmen, ja, i alle sine film. Mere end en forklaring og fortolkning læser jeg teksten som instruktørens egen forbavsede opdagelse af sin russiske film.

Scene efter scene stilles i kø i disciplineret række og forbindes kontrapunktisk med interview- og dialogmateriale, dokumentariske beretninger i løsreven fastholdelse. Det er meningsfuldt i en ganske anden narration end den normale danske tradition; og det er befriende, så befriende. Og glædeligt. Ada Bligaard Søby er efter udflugten med de klagende kor vendt tilbage til sin helt egen metode og tilbage til den overraskende ligefremhed i American Losers, til den udvidende billedskønhed og kontrollerede smerte i Black Heart og til brevvægtens milligrams balancekunst i Meet me in Berlin.

De nøgne fra Skt. Petersborg er på kun 23 minutter. De mærkes som en vidunderlig begyndelse til en meget lang og rig film. Mere, mere mumler jeg ved slutteksternes opdukken. Det er en meget sjælden oplevelse.

Ada Bligaard Søby: The Naked of Saint Petersburg (De nøgne fra Skt. Petersborg), Denmark 2010, 23 min. Synopsis:” It is winter in Saint Petersburg and the streets of the former capital are teeming. Half naked sunbathers stand in the snow; fledgeling dancers watched by throngs of teens are an explosion of underground fashion; a therapist who cannot afford an office sees clients in his car; immigrant street cleaners wander estates in orange vests, hoping they won’t be mistaken for terrorists. Saint Petersburg makes do with what it has.” (DVD-cover text) Script: Ada Bligaard Søby, camera: Max Efros og Ada Bligaard Søby, editing: Nanna Frank Møller, sound design: Roar Skau Olsen, producer: Lise Saxtrup, company & sales: Klassefilm www.klassefilm.dk  Filmografi, Ada Bligaard Søby: Rome, NY (2004), American Losers (2006), Meet Me in Berlin (2007), She’s Lost Control (2008), Black Heart (2008), Complaints Choir (2009).

Nils Vest: Et rådhus/2

Det begynder allerede ved indgangen. Det med Nyrops detaljer. Hver indgang har sine særlige figurer. Her er det vejvæsenets gamle indgang ud mod H. C. Andersens Boulevard. To brolæggerjomfruer i granit flankerer porten. Rådhuset skulle have den danske stenhuggertradition fra middelalderkirkerne indarbejdet. Men det håndværk var glemt, så billedhuggeren Anders Bundgaard måtte lære sig det forfra, da han fik opgaven. Et sted i Nils Vests film kommer vi ind i et kælderrum med Bundgårds skitser til de mange ansigter, han huggede i granit, og Vest fortæller i sin nøgternt personlige speak, at billedhuggeren fandt sine modeller i de nærmeste omgivelser, blandt byggeriets håndværkere og rådhusets medarbejdere.   

Og Vest tager denne demokratiske idé op. Det er jo et hus for alle borgere i byen, og han åbner sin film og sin omvisning ved at lade en almindelig rådhusbetjent tage imod og føre os ind i huset og dets idé. Vest er vedholdende (eller stædig) som sine hovedpersoner, nu altså Martin Nyrop, hans motiver og greb går igen fra film til film. Også dette, at det ophøjede monument ikke kun ses i arkitekturhistoriens lærde og følsomme blik i kunstnerisk øjenhøjde, men også ses nedefra, i fejemandens jordnære og håndfaste perspektiv. Vest mestrer begge vinkler.

Og det bliver til ét af de gennemgående lag. Denne omviser-fortælling tages op i Jens Bidstrups velordnede klipning, og en række mennesker, som arbejder i husets funktioner eller med husets historie eller med dets arkitekts biografi, får stafetten og fortæller hver deres brik i mosaikken, som bliver filmens handling af dagligdag, arkitektur og menneskeliv.

Der er premiere i morgen kl. 12 i Grand Teatret.  Et rådhus til hverdag og fest kører derefter i den biograf, forhåbentlig et stykke tid, for det er selvfølgelig en simpel pligt for enhver københavner med kærlighed til sin bys smukke huse at gå ind og se filmen om byens italienske renæssance rådhus og dets mylder af historier og detaljer og betydninger.

Nils Vest: Et rådhus til hverdag og fest, Danmark 2010, 52 min. Manuskript: Nils Vest, fotografi: Erik Norsker, Casper Høyberg, Steen Dalin og Nils Vest, klip: Jens Bidstrup, musik: Anders Koppel, lyd: Iben Haahr Andersen, produktion: Nils Vest. Produceret og distribueret af Nils Vest Film www.vestfilm.dk her også direkte dvd-salg.

Nils Vest: Et rådhus

Den koncentreret vedholdende og omhyggeligt researchende Niels Vest er klar med en ny arkitekturfilm. 17. juni er der i Grand Teatret, København premiere på hans seneste værk i rækken af bygningshistorier vævet sammen med arkitektbiografier, filmen om tilblivelsen af Københavns Rådhus fra 1905 og om husets arkitekt, Martin Nyrop. Den har fået titlen Et rådhus til alvor og fest. Den handler om intrigerne i byggeudvalget, hvor Nyrops modstandere havde indflydelse, om arkitektkonkurrencerne, om Nyrops vældige forarbejder med studier, især i italiensk renæssancearkitektur, om hans frodige detaljeglæde og især om den snedige stædighed, hvormed han sikrede sig, at hans oprindelige idé og plan ad omveje blev gennemført. Et tema om den suveræne arkitektpersonlighed som er centralt i hele Vests række af skildringer af hovedpersoner og monumenter fra den danske bygningskulturelle arv: Laurits Thura og Vor Frelsers Kirke, Nicolai Eigtved og Frederiksstaden, C.F. Hansen og Vor Frue Kirke, Christian 4. og Rosenborg. 

Niels Vest modtager en af dagene Europa Nostra Prisen 2010 for sit arbejde med at organisere bevarelsen af visse bymiljøer som især Christiania og senest for eksempel modstanden mod en nutidig tilbygning ved Holmens Kirke.

Still: Niels Vests film boltrer sig i detaljer: ”Den store indgang fra Vester Voldgade, hvor der engang løb en å, har både to krabber, en havmand, en havfrue og et søpindsvin placeret rundt om portåbningen foruden kalkmalerier med tang og en søstjerne oppe under loftet inde i porten.” Men filmen fortaber sig ikke et øjeblik, overblikket mærkes som en sikkerhed, ikke som en stramhed.

Nils Vest: Et rådhus til hverdag og fest, Danmark 2010, 52 min. Manuskript: Nils Vest, fotografi: Erik Norsker, Casper Høyberg, Steen Dalin og Nils Vest, klip: Jens Bidstrup, musik: Anders Koppel, lyd: Iben Haahr Andersen, produktion: Nils Vest. Produceret og distribueret af Nils Vest Film www.vestfilm.dk her også direkte dvd-salg.

News from Paris: Tarkovsky for children

In France kids have Wednesdays off from school. For those who have the possibility, it is a day to discover the multiple activities Paris has to offer children. Le centre Pompidou, Beaubourg to Parisians, holds every Wednesday of the school year the program L’Écran des enfants, an initiation to cinema for children under 13.

I went with my daughter Asta, 8 ½, to see Andrei Tarkovsky’s The Steamroller and the Violin (1960, 43 min.). This is Tarkovsky’s first longer short film and it was his graduating film from the film school in Moscow. The film tells the story of a friendship between a little boy, Sasha, who plays the violin and the worker Sergei and his (incredibly beautiful) red steamroller. The influence of Albert Lamorisse’s The Red Balloon (Le ballon rouge 1956) is very clear. The images of the film are sheer beauty, the mirrors, the reflections; the dreams are already there. Asta could not follow the story, I think because she was just taken by the visual impression. Here’s a more detailed description:

 http://www.sensesofcinema.com/2009/cteq/the-steamroller-and-the-violin/#2

A DVD is available from Facets Video (region 1) and bits can of course be seen on Youtube, but get it for your children’s film program if you have one, it has to be viewed on the big screen.

http://www.youtube.com/watch?v=mRaqcxk1YtM&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=6SNPhp6mT6I

What we particularly appreciate about Beaubourg’s program is that the curators are there themselves to present the days film. They make a small introduction and offer to read aloud the subtitles on non-French films, should the children wish so. And they also leave time for comments and questions afterwards. Asta’s comment was “the film was very good”!

Link to Centre Pompidou

Paris has many other cinematographic offers for children, I can get back to that another time, and nothing beats the event of taking an actual trip to a movie theatre and sit down in the dark. It is important and a pleasure to be able to let your child grow up with a larger view of cinematography, than what is offered by mainstream cinema today.

I quote Chris Marker, from an interview Tue Steen Müller has linked to in an earlier comment, but can easily be repeated and counts for kids as well: “Godard nailed it once and for all: at the cinema, you raise your eyes to the screen; in front of the television, you lower them. Then there is the role of the shutter. Out of the two hours you spend in a movie theater, you spend one of them in the dark. It's this nocturnal portion that stays with us, that fixes our memory of a film in a different way than the same film seen on television or on a monitor” (Chris Marker, interview Libération March 5. 2003 translated in Film Comment:

http://www.filmlinc.com/fcm/5-6-2003/markerint.htm).

The film made me plunge in to Tarkovsky’s own writing, though he hardly mentions The Steamroller and the Violin. I highly recommend his reflections on the art of cinema:

Andrei Tarkovski: Le temps scellé (Petite bibliothèque des Cahiers du Cinéma 2004). English edition: Sculpting in Time (University of Texas Press 1989).

Lithuania: Classical Documentaries to be Digitized

Good news from one the most interesting countries for documentary cinema, Lithuania, whose post-independence documentaries have been and are awarded everywhere. Names like Sharunas Bartas, Audrius Stonys, Arunas Matelis, Rimantas Gruodis, Janina Lapinskaite and Giedre Beinoriute (photo from her 2005 film, Vulkanovka) do all owe their cinemaric skills to a grand tradition that now also soon may be shared by their fellow countrymen and film buffs elsewhere. Read the following:  

At the beginning of May, the Lithuanian Central State Archive started implementing a 30-month project called Lithuanian Documentaries on the Internet. The Archive has received support of approx. EUR 2.8 million from the EU. Digitization and online accessibility will help to preserve some 1000 titles that are part of Lithuanian documentary heritage.

The Lithuanian documentary heritage is not equally accessible to all Lithuanian people nor to the wider EU and world communities because few people can physically visit the Archive and use its documents. The project is oriented toward the creation, expansion and promotion of Lithuanian digital Internet content to users. During the project the Archive expects to digitize and transfer to the Internet 1000 titles of Lithuanian documentaries, created in the period 1919-1960. After the implementation of this project Lithuanian documentaries and information about them will be easily accessible. Every user would have the possibility to search digitized films and their metadata, to watch these films or to order digital film copies. Digitised Lithuanian national film heritage will be protected and preserved for current and future generations and knowledge of it will be available via the Internet for all possible users worldwide.

http://www.lfc.lt/en/

http://www.dokweb.net/cs/

http://www.europeanfilmgateway.eu/news.php?area=News&pag=121

Nina Hedenius

It is all about making extraordinary films about ordinary people... I don’t remember who said so, but it could be a characterisation of the work of Nina Hedenius, the unique Swedish filmmaker who makes all her films for SVT, the Swedish public broadcaster, that provides her with the funding for her films. She does everything on her own (camera, sound, direction), over a long period and without any interference of film consultants or commissioning editors from television. In Belgrade where she took part in the Magnificent7 festival, with the masterpiece ”Way of Nature” (”Naturens Gång”) from 2008, she told the audience that she had to do her films in that way, and that she could not have anyone look over her shoulder. That would make her nervous and confused.

I pick up the name of Nina Hedenius tonite after having seen her fine work, ”The Art of Cleaning” (”Konsten at Städa”), which is from 2003 and runs for an hour. Again Hedenius takes the viewer to Dalarne, the beautiful region of Sweden, and lets him/her experience the daily life of a cleaning lady, Wally Petterson. You might expect a social indignation over hard work, but Hedenius never turns to that side. What interests her in this case (like with the characters in ”The Old Man in the Cottage” and ”Way of Nature”) is the calmness and harmony that is inside and outside a woman, who cleans, cooks, takes care of grandchildren and relaxes at the lake with her fishing rod. ”We are ere to help other people, are we not”, Petterson says in a film that refrains from the many words. The camerawoman, who is also the director, dares. To go close and stay close, to fade out in grey, to let clouds drift by, to let a face stay so long that you start to make your own interpretation or drift away from the film or maybe into the film’s universe. I saw the film in a garden house and could turn my head to the right and be with nature images and a sky similar to the one in Dalarna. Pure beauty and independent filmmaking. A filmmaker with her own signature.

Some of the films of Nina Hedenius are available on dvd - check the website below and contact svt, and for people who are able to get to SVT, Kunskapskanalen (Knowledge Channel) the film has a rerun on sunday May 16 6.05pm. And to know more about Hedenius you can see an interview with her (in Swedish) on

www.svt.se

Michael Madsen: Celestial Night

Himmelnattens kejser er den danske titel, ”en film om synlighed” (eller sigtbarhed?) hedder det i undertitlen. Og for en gangs skyld er undertitlen ikke irriterende og omklamrende. Den er på plads af to grunde. Den er regulært begyndelsen på filmen, udgør det allerførste udsagn, og den er smuk. Som filmen er smuk. Som Otto Norns titel på en meget ældre,  tilsyneladende ganske anden,men på afgørende måder tilsvarende æstetisk-historisk undersøgelse At se det usynlige er smuk, som hele hans kloge bog er smuk. Michael Madsens film er tilsvarende klog. Det er frydefuldt, der er langt mellem kloge film.

Nu rejser han så fra festival til festival med en ny smuk og klog film, Into Eternity, 2009. Før den havde han færdiggjort To Damascus, som nok kan ses som et skridt på vejen. Tre kloge og smukke og sande film efter hinanden. Det ligner en vedholdende tanke, et fortsat arbejde, et stort personligt værk i udvikling.

News from Paris: Godard

This years festival Cinéma du reel had a program called Nous deux – Both of us, featuring films made by filmmakers in couples or pairs. Amongst those shown where The Old Place (1998) and Reportage amateur (maquette expo) (2006) by Anne-Marie Miéville and Jean-Luc Godard, who have been partners and made films together since the 1970s. Since I could not attend to the screening, I acquired the DVD of four short films by Godard and Miéville: De l’origine du XXIe siècle (2000), The Old Place (1998), Liberté et Patrie (2002) and Je vous salue Sarajevo (1993) (ECM Cinema 2006).

I highly recommend this edition, which is the first DVD released from the renowned German record label ECM Records. The DVD-cover is actually a fine little book with beautifully reproduced stills from the films, an introduction by the German film critic Michael Althen as well as the complete dialogues. All of this in French, English and German.

Link to ECM Records

Doc Alliance: Free films

More free viewing for documentary addicts. A generous offer is given by the Doc Alliance (the four festivals in Nyon, Leipzig, Jihlava, Warsaw and Copenhagen). Below is their promotion text, and the films are available from April 21-25. When you visit the site, notice also all the very fine titles available for screening for a very small amount of €’s:

To celebrate the upcoming 2010 edition of Visions du Reel Nyon (April 15 – 21), DocAllianceFilms.com will offer free streaming of the five documentaries from the Doc Alliance Selection 2009,

“Maggie in Wonderland” by Ester Martin Bergsmark, Beatrice "Maggie" Andersson und Mark Hammarberg (Sweden, Finland 2008, 72 min) Maggie, a young woman from Kenya, films her world in the Swedish city of Malmö. A creative portrayal of the meaning of social isolation. “

Auto*Mat” by Martin Mareček (Czech Republic 2009, 90 min). Martin Marecek invents a militant, jubilatory action to combat the automatisms generated by Prague’s automobile culture. “

Big John” by Håvard Bustnes (Norway 2008, 86 min) The rise and fall of a young boxer coached by his father ‘Big John’ – who was also his trainer, impresario and agent. ”Hotel Sahara” by Bettina Haasen (Germany 2008, 85 min) Nouhadibou in Mauritania: a melting pot of dreams, hopes and the terminus of countless young African emigrants who end up here. “

Survival Song by Yu Guangyi” (China 2008, 94 min) A family of Chinese peasants is condemned to poverty and broken apart in the name of modernity. A deeply moving and sublime social tale.

www.docalliancefilms.com

idfa: for Viewers Worldwide

8 excellent documentaries can be watched for free on the net, made available for screening by idfa, International Documentary Film Festival Amsterdam. Let me just mention three of them – Florin Iepan’s Romanian ”Children of the Decree” about the atrocities during Ceaucescu, Heddy Honigmann’s ”Underground Orchestra” set in Paris and as always with this great director dealing with people, and Danish Jørgen Leth’s masterpiece ”Haïti Untitled” from 1995, his declaration of love to the country where he lived until the earthquake this year forced him to leave his totally destroyed home. Photo: Jørgen Leth.

http://www.idfa.nl/industry/idfa-tv/films/worldwide.aspx

Underground Films

Indiepix, American distributor of independent films, including documentaries and experimental titles, offer their films to be bought as a dvd, to be downloaded to your own computer (pc and mac) or to be viewed as a vod (video on demand). For reasonable prices. You can subscribe – for free – to their newsletter from where I have taken the following text:

In the wake of WWII, with the advent of portable cameras, the world of filmmaking exploded beyond the bounds of the moneyed Hollywood studio system. Filmmakers no longer had to seek approval – or funding – to make their visions a reality. Hell, you didn't even need training, just a camera and a dream (dream occasionally optional). Filmmakers such as Maya Deren, Kenneth Anger and Stan Brakhage created countless films in the 1940s and 50s that tested the limits of the medium in subject matter, style and narrative continuity. In addition to garnering praise abroad from the new Wave filmmakers in France such as François Truffaut, Morris Engel's low-fi Little Fugitive also became the first independent film to be nominated for an Oscar in 1953. In the 1960s and 70s, brothers George and Mike Kuchar added an absurdist, kitschy sense of humor to their short films showing that just becuase it's arty, doesn't mean it has to take itself seriously. Freed from the profit-and-loss constraints of procuring Hollywood backers, these new low-fi, no-budget filmmakers were able to take film out of the realm of entertainment and turn it into an art form. PHOTO: Jonas Mekas.

And if you're in the New York area, the new documentary, It Came From Kuchar, is screening this week at Anthology Film Archives! Tickets are available through the IndiePix Box Office. We hope to see you there!

http://www.indiepixfilms.com/collection/underground-films?ref=NEWSLETTER

News from Paris: Maysles

It’s the Maysles!

At this years edition of Cinéma du réel, the festival paid tribute to Albert Maysles. The Maysles Brothers: the late David on sound and Albert behind the camera, classic direct cinema.

As was the case two years ago, with the retrospective Americana showing the works of Shirley Clarke and Jim McBride (not to forget Agnès Varda’s rare and wonderful Lions Love (1969)), it is a pleasure to be able to discover or rediscover these films on the big screen.

Everything in Albert Maysles films is beautiful; from the American ballerina at the Bolshoi ballet in Anastasia (1962), Yoko Ono performing her Cut Piece (1965), a hilarious and very attractive Brando in Meet Marlon Brando (1966), the self-revealing Truman Capote in From Truman with love (1966), a bible-salesman driving his car in Salesman (1968) to the eccentric mother and daughter in Grey Gardens (1975).

Godard has called Albert Maysles the best American cameraman. The two of them worked together in the Barbet Schroeder production Paris vue par… (1965), a curious piece of film history, described by Albert here:

http://www.arte.tv/fr/Comprendre-le-monde/arte-journal/103288,CmC=3115724,CmPart=com.arte-tv.www.html

Albert Maysles sums up his approach to documentary with a quote from Grey Gardens: “ Come on in, we’re not ready!” (Little Edie in Grey Gardens).

If you can live with the English version with French subtitles, a DVD including both Salesman and Grey Gardens (ArteVidéo) is available on French Amazon http://www.amazon.fr/. Or separately in an English version as well as Shirley Clarke’s Portrait of Jason (1967), Jim McBride’s David Holzman’s Diary (1968) on amazon.uk. You can watch Yoko Ono’s Cut Piece at:

 http://www.dailymotion.com/video/x3dsvy_yoko-ono-cut-piece_shortfilms.

For the French resident readers, some of the Maysles Brothers films can be seen on TV on CinéCinéma Club, on April 30 and May 7.

As for the rest, we are lucky to have retrospectives at the festivals!

I would also like to mention that, unfortunately again only for French residents, the films from the international competition and the French panorama at Cinéma du réel are available on VoD at http://www.universcine.com/promotion/cinemadureel2010 the whole month of April.

Photo: The Maysles on location, Grey Gardens (1975)

Eric Pauwels: Les Films rêvés 2

Jeg er ikke blevet færdig med indtrykkene fra Cinéma du réel, eller rettere, der er film, som bliver ved med at trænge sig på. Nu Pauwels’ tre timer lange sag, i to dele (85 og 95 minutter) i udtrykkelig 4/3 format. Det står på forsiden af dvd-udgaven, som CBA i Bruxelles har været så venlig at sende mig. Den slags er vigtigt, når det er billeder i en tid og fra en tid, det drejer sig om. Med en mening om deres eget udseende. Det gamle tv-format. Og på forsiden er der seks billeder i dette klassiske format, på bagsiden yderligere seks og så synopsen: Un jour, un homme, un cinéaste fait un rêve: il rêve qu’il fait un film qui contiendrait tous les films qu’il a rêvé de faire. Inden i er tiden, de to dele, i alt 180 minutter.

Jeg så filmen i Paris uden at forstå særlig meget af den franske voice-over og dialog. Men dvd-udgaven har engelske undertekster. Så nu kommer et frydefuldt arbejde med at se det store, smukke værk, omhyggeligt, afsnit for afsnit. Læse det så langsomt, som det indbyder til. Så tiden holdes fast. Hvad dvd kan.

Det begynder med en poetik. Her kan man som begynder begynde. Her kan man som blasert og erfaren begynde forfra og blive ydmyg. Det er yderst håndfast: der findes disse film, og så demonstreres en scene. Og der findes disse, og der demonstreres en scene. Det er medrivende grundlæggende. Og så følger afsnittet om Jean Rouch, hvor poetikken foldes ud, men ikke som skema, nej, som liv og død… 

Pribyl: Forgotten Transports – Poland

A film that has been reviewed and noticed several times on this site, has finally got the national recognition it deserves. Here is the posting from the IDF site – se address below:

On Saturday, March 6, Forgotten Transports to Poland by Lukáš Přibyl was announced best documentary film at the 2009 Czech Lion Awards. The film is included in Přibyl's four-part documentary series that was released on DVD in mid-January.

Breaking down our notions about "Holocaust documentaries", the film focuses on humanidentity and its changes. It deals with choices, people, escaping Nazi ghettos, laborand death camps in the Lublin region of Poland, had to make in order to adapt and survive in utter extremity, on the run, in hiding – with a great deal of ingenuity,much humor and tremendous optimism. This documentary tribute to the human spiritis completely devoid of commentary, contemporary and make-believe footage and employs only impeccably researched time-and-place precise materials and fascinatingwords of the witnesses. From playing a deaf-mute fool, armed resistance to a touchingtale of forbidden love, the handful of witnesses share their past, for the first time. This documentary offers a surprising picture of survival "as we don't know it".

A clip from the film can be watched on the site below.

http://www.dokweb.net/cs/