Bjørn Lomborg: Cool It!

Today the audiovisual trade magazine Realscreen brings an article that informs about a new documentary coming out about Danish environmentalist Bjørn Lomborg, a controversial character in Denmark – though one of former prime minister Anders Fogh’s experts – but a man, who seems to be taken seriously outside his own country. The film, premiered at the Toronto International Film Festival, is directed by Ondi Timoner (photo), who in the article constantly refers to “An inconvenient Truth” with and by Al Gore.

Lomborg: This is not about the idea of the world being doomed; we can actually fix global warming,” says Lomborg. “Global warming is a real problem but we can fix it and that’s the main difference, if you will, between the Gore version of global warming and what we’re trying to present with Cool It.

Timoner:  Initially, Lomborg was hesitant to open up, but eventually trusted the director’s instincts. Cool It begins with a short bio, delving into the media controversy surrounding his first book The Skeptical Environmentalist, his trial before a Danish panel on scientific dishonesty and his eventual exoneration, as well as a few personal tidbits, such as his relationship with his mother who suffers for Alzheimers.

“I have very poor taste,” says Lomborg. “I can see if I like stuff but I’m not able to put on clothes and see if they look well or buy a sofa and see whether it’ll fit into my apartment. I happily leave that to other people – people that I trust. So in that sense, I [thought], ‘Yeah, OK, if Ondi and everybody else is saying we need to hear about [me], we need to hear about me.”

…Timoner admits she probably would’ve used a similar approach if she had helmed An Inconvenient Truth, but says that now it’s time for the public attention to move on from that film and on to more realistic solutions. “We’re like the follow-up more than the anti-Inconvenient Truth,” she says. “It’s time for the next step.”

http://www.realscreen.com/articles/news/20100913/coolit.html?__b=yes&

Torben Glarbo: Decoding

… with the subtitle: Tim Rushton’s Enigma… is a making-of-film, a fascinating observation of the process of setting up of a contemporary dance performance conceived and conducted by Tim Rushton.

When the producer of the film – Ole John – passed the dvd to me, his comment was, ”well, ballet is not your strong side”. Right he is but taking the viewer into a new world and environment is precisely what a good documentary can do. You learn something and you actually discover the similarities between a documentary director and a choreographer like Rushton, who works without any script constantly ”editing” the performance, trying something new, rehearsing with the dancers, finding the right rythm and balance adding light and music to get the right sensual expression.

Torben Glarbo has followed the process for seven months and conveys brilliantly the different moods of doubt, the collaboration and the experimentation. Movements in a rehearsal room are as born for the camera of Glarbo.

Some background info on the film which can be bought through the site below: Enigma’s choreography is inspired by Bach, with his six unaccompanied cello suites as its musical base. Jakob Kullberg plays the cello, and the accompanying electronic soundscape is composed by Mathias Friis-Hansen… Tim Rushton is originally from Birmingham, England and educated at the The Royal Ballet School in London. He has spent the past 15 years in Denmark as a dancer and choreographer, among others at the Royal Danish Ballet. Rushton has been nominated for the Reumert Prize 10 times and received it 5 times: in 1999, 2005, 2006 and 2008 and in 2010 for Danish Dance Theatre.

Denmark, 2010, 58 mins.

http://www.torbenglarbo.dk/

http://www.decoding.dk/

Pirjo Honkasalo: My 10 best

Idfa – International Documentary Film festival Amsterdam – asks every year a prominent director to choose her/his 10 Best Film list, whihc are then screened at the festival. This year the director is Finnish Pirjo Honkasalo and her list goes like this:

The Earth, Aleksandr Dovzhenko (Russia, 1930)
The Mad Masters, Jean Rouch (France, 1955)
The Earth Trembles, Luchino Visconti (Italy, 1957)
Close-Up, Abbas Kiarostami (Iran, 1990)
Kyoto, My Mother’s Place, Nagisa Oshima (Japan, 1991)
Quince Tree of the Sun, Victor Erice (Spain, 1992)
Brass Unbound, Johan van der Keuken (Netherlands, 1993)
Tell Me What You Saw, Kiti Luostarinen (Finland, 1993)
The Smiling Man, Walter Heynowski, Gerhard Scheumann (Germany, 1996)
Blockade, Sergei Loznitsa (Russia, 2005)

Bravo is my warm greeting to the director (who will have a retrospective of her own list of masterpieces like “Tanjuska and 7 Devils” and “Three Rooms of Melancholia” (photo)), who has no English language film on the list contrary to what most critics and filmmakers, because of ignorance, normally include. I am looking forward to re-visit Luchino Visconti and Congo-Müller, the protagonist of “The Smiling Man”, not to mention the fabulous film of Victor Erice. The festival takes place November 17-28.

www.idfa.nl

Poul-Erik Heilbuth: De faldne

Helle Lyster skildrede i 2008 for DR Dokumentar tre hjemvendte militærfolk udsendt til krige i Bosnien, Kosovo og Afghanistan, De hjemvendte, del 1, del 2 og del 3. Jeg hæftede mig dengang ved min optagethed af de tre medvirkende soldater og den enes kæreste, men var også klar over, at Lysters tackling af det sentimentale aspekt slet ikke bragte dette element under kontrol, og at hendes overvejelse ikke rummede selve tvivlen om det hele. Alt havde tilsyneladende i de tre små dokumentarer en forklaring og kun én forklaring.

Helt sådan er det ikke i Poul-Erik Heilbuths film, som blev sendt i aftes. Heilbuth er tilsyneladende med dette tv-arbejde helt bevidst på vej ind i en ny folkelighed, hvor det sentimentales tårevædede og talemådeprægede udtryk fastholdes monumentalt som dækkende udtryk. I Lysters film er det en selvfølgelighed, tror jeg, i Heilbuths en bearbejdet villethed. Så der klippes ikke udenom det for mig pinlige. Han opfordrer til at læse førhen intime breve højt, til at åbne hidtil hemmelige æsker. Han overskrider i den grad min grænse mellem det personlige og det private.

Og forsigtigt, men efter min mening for forsigtigt, lukker han tvivlen ind i sin fremstilling i noget, som minder om en villet rytme og altså et bevidst element. Det begynder med Mads’ kæreste, som i sit interview som det første af de medvirkende pårørende tydeligt fortæller, at hun var og er imod, imod at han skulle af sted, måske imod i det hele taget, og til en af mødrene, som hen mod filmens slutning i en følelsesudladning, som er hendes egen personlige, vender sig mod krigen som sådan, vi lukker bare hold efter hold af unge mænd ud til løverne, det nytter ikke noget og det stopper aldrig.

Hun indser, at der i hele forløbet er én eneste ubønhørlig logik. Måske er det den, Heilbuth med sit arbejde skildrer, men i så fald nok for underdrevet. I hvert fald i forhold til, hvad jeg har brug for. Og i forhold til, hvad et land i krig har brug for.    

Danmark, 2010, 58 min. Tilrettelæggelse: Poul-Erik Heilbuth, produktion: DR Dokumentar, producer: Steen Jensen. Genudsendes 12.september 14:45 og 16. sep. 09:00

MandagsDokumentar Efterår 2010

We have written about it since the start of filmkommentaren.dk and we will continue to do so as this excellent  initiative is exportable: You find a documentary and short film addict – and connaisseur –  with a wide network and a talent for programming, and you let him or her invite films AND filmmakers to meet the audienceonce a week in a nice and cosy meeting place. Films are shown and films and subjects are being discussed. This is what Danish Ebbe Preisler has done for years. He has now opened his autumn season for Copenhageners to som and enjoy every monday. I switch to Danish to introduce a bit of the huge film offer:

Der kan bruges mange rosende gloser om det arbejde Ebbe Preisler har gjort for formidlingen af kort- og dokumentarfilm med sin MandagsDokumentar. Han er opdateret og viser ”Armadillo” med instruktøren Janus Metz og fotografen Lars Skree til stede, han har ”Bifrost” af Freddy Tornberg på programmet (begge film anmeldt her) og han har bedt Miki Mistrati komme for at vise sin tv-gyser om børnearbejde, ”Chokoladens mørke bagside”. Men for denne blogger er det ligeså herligt at se at Preisler vil gøre sit publikum opmærksom på den guldgrube af film, der ligger i Det danske Filminstituts arkiv. En meget fortjent hyldest gives således til produktionsselskabet Filmforsyningen, hvis leder Svend Johansen (foto) viser sin børneklassiker ”Aborresøen” (1978) ligesom der vil være lejlighed til at se mesterværket ”Eventyret om den vidunderlige musik” (1991) af Anders Sørensen og Liller Møllers vidunderlige tegnefilm ”Mellem to stole” (1993). Nogle uger senere har Preisler sammensat et program, han kalder ”Fattig og Rig”, hvor to af vore største dokumentarister er til stede. Lars Engels viser ”Orkanens Øje” (1991) og Jon Bang Carlsen ”En Rig Mand” (1979). Det hele foregår i PH cafeen på Halmtorvet i København.

www.mandagsdokumentar.dk 

On Being There with Richard Leacock

Richard Leacock, 90 years old in 2011, a master of cinema vérité, always energetic and inspirational… finally gets a filmic homage. It happens now at the Telluride Film Festival and it takes place in association with the first public screening of Monica Flaherty’s 1980 sound version of the 1925 film, Moana by Robert Flaherty (Leacock worked with Flaherty in 1946 on Louisiana Story). Wow, film history!

Jane Weiner is the director of the film ”On Being There” on Leacock. Here is an edited clip from the press release that came in this morning:

In the summer of 1972, Jane Weiner started filming with a prototype camera of the experimental Super 8 Sync-Sound-System that Leacock was then developing with Jon Rosenfeld and Al Mecklenberg at M.I.T. Shooting over 4 decades on a variety of ever-changing film and video technologies, Weiner doesn’t hide the image artifacts, film flutter and glitches, which were part and parcel of experimenting in small-format. She follows Leacock to his boyhood home in the Canary Islands – the location of his first oeuvre, Canary Island Bananas; she recounts his relationship with his mentor, Flaherty, and details his involvement and passion for a particular documentary aesthetic developed by Leacock, Pennebaker, and Robert Drew in the early 60’es. The title refers to the ”feel of the place” that Leacock tries to capture in the non-interventional, observational shooting style of cinema vérité… However, in On Being There with Richard Leacock, Weiner often breaks her mentor’s own rule of ”never asking questions”. Constructed as conversation that covers 70 years of his involvement in filmmaking history, the documentary lets Leacock tell his own story in his own words with few comments and/or commentary from his former protégée.

The feature-length film that is being screened in Telluride to honor Leacock, a work-in-progress it is, will be out in 2011 for theatrical and dvd release – and there will be retrospectives and other festival tributes to the master. Can’t wait to see the film! Photo: Leacock, 2009.

http://www.richardleacock.com/32943/About-RichardLeacock-com

Archidoc – Creative Archive Documentaries

Deadline on Monday, September 6, for applications for the unique European training programme Archidoc for filmmakers with archive based documentaries. I have been working with this training programme for many years and have with great pleasure seen fine films come out of it. The organisers, the French film school la fémis, tell me that they are short of sufficient applications, so this is why I want to give this small pep talk to filmmaking readers of this blog:

The workshop, in three sessions and in English language, offers you to develop your archive based documentary creatively under the supervision of the experienced international filmmaker, director and editor, Erez Laufer, and his team. You will get all the necessary market information and you will pitch the project to tv commissioning editors, but the most important is that you will get input to the creative part of the development. It is done in Paris at the film school at the second session (first session is in Leipzig during the DOKLeipzig in October) with the help of excellent editors, who help you shape your story so it passes far beyond the boring history tv documentary that we know so well. Let me mention three fine films that have profited from Archidoc:

Wiktoria Szymanska’s great tribute to the avantgarde artists ”The Themersons” (photo), Peteris Krilovs wonderful ”Klucis. The Deconstruction of an Artist” (several times written on this site) and Edmond Roch’s ”Garbo – the Man who Saved the World”, a true spy story.

http://www.edn.dk/

http://www.lafemis.fr/

Jacob Thuesen om filmmusik

Jeg er stadigvæk høj efter to timer søndag formiddag med Jacob Thuesen, der i en tøvende beslutsom og præcis samtale med Michael Bertelsen simpelthen lukkede op for posen af viden, erfaring og researchresultater fra sit arbejde med filmmusik, siden han som 12 årig sad foran Carltons tæppe sammen med sin onkel og lyttede til ouverturen til Rumrejsen år 2001.

De begyndte med at tale om Pasolinis Mattæusevangeliet. Og hvad vidste jeg om musikken i den film? Intet, viste det sig. Jeg havde troet, at det naturligvis var Bachs Mattæusevangeliet. Men nej, det er H-moll messen. Musikken bruges, hver gang Jesus underviser disciplene. De spillede musikken (det er jo meningen med det program), og rigtigt, jeg huskede med det Pasolinis billeder, de dukkede op. De tre hellige kongers møde med det nyfødte barn underlægges med Odetta som synger Sometimes I feel like a Motherless Child. Det samme skete med mig. Og Thuesen fortalte, at denne Odetta sang, bruger han selv i Under New York i en scene med tætte optagelser af trætte ansigter i en kupe i Subway. Forklarede stilfærdigt, hvad han ville med det, og netop sådan huskede jeg med det samme scenen. Jeg erindrede ikke den røde hærs kor i Pasolinis film, men jo, de er med. Og da stykket blev spillet, måtte jeg nikke for mig selv. Det store ved musikken på dette niveau, forklarede Thuesen, er at sangerne ligesom ikke ved, hvad de synger, de bærer blot den store følelse. Er de bevidste om musikkens storhed, dur det ikke. Og han fortsatte med dette religiøse aspekt: Jesus helbreder en spedalsk, mens Kenyas Nationalteaters kor synger kyrie fra en afrikansk messe, Missa Lucca.

Pasolini har bare valgt i alverdens musik. Suverænt. Og Jacob Thuesen har lært af det. Han fortalte videre om sit arbejde med en scene i Jørgen Leths Haiti uden titel.. nej, hør det radioprogram selv:

http://www.dr.dk/drnetradio/index.dr?evt=p&tab=pr&k=p2

Klik på Michael Bertelsen: Helt Klassisk og derefter på udsendelsen 29.08.2010 (Fejlen der har været med linket er nu rettet..)

Hør selv: det var værd at vente på..

Phie Ambo: Hjemmefronten

Titlens talemåde er for hyggelig. Men filmen har som undertitel Fjenden bag hækken. Den kan jeg bedre lide, den kan jeg tyde som minisynopsis. Den bringer for mig orden i sagerne. Og den fortæller også, at foretagendet er alvorligere, end den valgte komedie-tone først antyder. Det bliver nemlig i den film værre og værre. Og værre endnu i min eftertanke.

Filmen følger en hegnsynsmand på arbejde. Og det bliver så scene efter scene med hegnsynsforretning efter hegnsynsforretning i nabostridighedernes virkelighed. Skænderi efter skænderi mellem mennesker, som måske ellers er så almindelige som nogen. Mennesker, som ikke vil give sig, men hellere forpeste deres eget liv år efter år. ”Jeg har skåret de træer (inde på naboens grund) ned jævnligt, og jeg regner med at blive ved med at skære ned hvert fjerde år”, siger en med et smil, som pludselig forekommer ubehageligt. Phie Ambo har før og efter konfrontationerne ved hegnsynsforetningerne ved hækkene og plankeværkerne opsøgt de involverede i deres hjem og talt med dem fra bag sit kamera. ”Vi er bare blevet sure, men vi har ikke gjort noget galt”, siger et ægtepar som konklusion på årtiers krig med naboen om.. ja, jeg har glemt hvad.

Det tunge emne er imponerende klippet til en lethed hen over den alvorlige tyngde. Det danser af sted til en slags cirkusmusik, men tempoet falder og stemningen mørknes, da vi kommer til hegnssynet, hvor den ene vil have plankeværk, den anden hæk, som det ses på fotografiet, og filmen slutter i en grusom resignation.     

Filmens moralfilosofiske overvejelse ligger i dens konstruktion. Efter mit behov er den ikke dyb nok, eller den er i min læsning ikke tydelig nok. For mig at se, altså. Jeg, som er vant til eller vænnet til at finde et alter ego for instruktøren blandt de medvirkende, en person at identificere mig med, en at holde med, som vi sagde nede på cowboyrækkerne dengang for meget længe siden. Jeg prøvede da jeg så den i mandags at fæstne min sympati ved hegnsynsmanden Mogens Peuliche, men det ville ikke lykkes, det udvikledes hans karakter ikke tilstrækkeligt til, og det var nok heller ikke Phie Ambos hensigt. Hun vil andre ting med sin film.

Det ser ud til, at hun vil se filmens serie af komedier, som udvikler sig til dramaer og omvendt, som antropologisk iagttagelse, se den med en kølig distance, egentlig. Hendes feltrapport bliver et elegant skrevet misantropisk essay, der ikke giver meget håb for det gode liv, alle medvirkende har overgivet sig til hadets spiral af destruktion. Heller ikke den afdæmpede unge kvinde kommer fri af bitterheden, som vokser. Vi hører, at hendes mål er klart. Hun vil genplante de træer, naboen har fældet og stjålet, for om tre til fire år vil de være oppe og dække udsigten til hans hus. Men, ved hun og vi, fjenden er bag hækken venter med et lumsk smil.

Danmark, 2010, 50 min. Manuskript, kamera og instruktion: Phie Ambo. Produceret af Danish Documentary Production http://www.danishdocumentary.com/ Producer: Sigrid Dyekjær. Sendt på TV2 23. august 20:00. Genudsendes 12. september 12:15. Vil om kort tid kunne findes på www.filmstriben.dk

Roos Award to Armadillo Cinematographer Lars Skree

In 1995 a special Danish documentary award in the name of documentary pioneer Jørgen Roos was initiated. For 2010 the award (as of tonite) was given to the cameraman Lars Skree, who together with director Janus Metz created the mega-success Armadillo (see photo). The Danish language (edited) motivation runs like this:

Det Danske Filminstituts dokumentarpris på 25.000 kr. blev lørdag den 28. august tildelt filmfotograf Lars Skree, der satte livet på spil under optagelserne til krigsdramaet “Armadillo”. Prisoverrækkelsen foregik på Filmhøjskolen i Ebeltoft under det årlige branchetræf for dokumentarfilmfolk. Kollegerne i filmbranchen beskriver Lars Skree som en sammensat person med et enormt kunstnerisk overblik. Prisudvalget begrunder tildelingen med hans enorme dygtighed, venlighed og mod: Lars Skree har en enestående evne til at være 100 % til stede i nuet – som intens lytter og seer. Det ene øje er indstillet på nær – det, der sker i billedet – og det andet på det store perspektiv, det uden for billedet. Han har en 7. sans for at fornemme det, der kommer til at ske lige om lidt… og for at huske at tænde for kameraet. Lars Skree har et skarpt æstetisk blik og en vidtfavnende faglig dygtighed. Han behersker ubesværet det iscenesatte og det dokumentariske, den poetiske refleksion og det rå drama. Han er villig til at gå meget langt for at få sine billeder med hjem; han engagerer sig med livet som indsats. Lars Skree er en generøs og kreativ samarbejdspartner. Han har forståelse for filmens behov og instruktørens vision; en begavet medspiller – og modspiller. Selvom det måske ikke huer instruktøren i den konkrete situation, er der kommet bedre film ud af den insisteren. Lars Skree har en høj moral og en stor medmenneskelighed. Han får folk omkring sig til at føle sig godt tilpas og er altid kritisk bevidst om, hvad han filmer og ikke mindst hvorfor. Lars Skree er som yin og yang; hård hund og poet, kampsoldat og graciøs linjedanser.

ww.dfi.dk